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L'ouverture d'une peinture de mœurs pour une nouvelle génération

Peintre de peinture coréenne traditionnelle Kim Hyun Jung

Un hanbok élégant, un sourire radieux. Des dents parfaites, une élocution sans détour. Un regard vif et une voix profonde. Voilà l'impression que laisse la peintre Kim Hyun Jung, née en 1988, sélectionnée par Forbes parmi les « 30 personnalités influentes de moins de 30 ans ». Nous avons rencontré cette idole du monde de la peinture qui, devançant des expositions nationales prestigieuses comme celles de Lee Jung-seob ou d'Andy Warhol, a battu, grâce aux seuls réseaux sociaux et au bouche-à-oreille, le record national de fréquentation pour une exposition personnelle.

Ravie de vous rencontrer. Vous êtes également connue sous le surnom d'« idole de la peinture coréenne » — un parcours aussi brillant que ce surnom le suggère.

Je reçois un amour que je ne mérite peut-être pas autant. Je crois que ce surnom vient du fait que j'ai attiré l'attention relativement jeune, dans un milieu où les peintres se font généralement un nom vers 40 ou 50 ans. Être sélectionnée par Forbes a été un immense honneur pour moi — j'étais la première du domaine des beaux-arts à l'être. Je pense que mes œuvres sont autant appréciées parce qu'elles sont très directes et que mes expositions sont divertissantes. Je m'efforce de communiquer activement sur les réseaux sociaux, ce qui m'expose aussi, en contrepartie, à des commentaires méchants (rires). Mais aucune de ces réactions n'est fondamentalement fausse, elles sont simplement différentes. Je considère cela comme une douleur qui accompagne inévitablement une grande attention, même si, en réalité, la douleur reste la même. Ces derniers temps, j'essaie de tout recevoir comme un retour positif.

C'est sans doute parce que vous êtes une artiste qui se distingue de ce qu'on voit habituellement.

Il existe vraiment beaucoup de tableaux difficiles d'accès dans le monde. Tout comme la musique populaire diffère de la musique classique, mes peintures ressemblent peut-être davantage à de la musique populaire. Comme je peins depuis toute petite, je pense pouvoir, plus que d'autres peintres, recourir à une expression abstraite. Mais si je m'exprime malgré tout de façon aussi directe, c'est parce que j'ai surmonté une dépression que j'ai connue autrefois, et que j'ai le sentiment d'avoir reçu ma vie actuelle en cadeau. Pour le dire plus précisément : je peins avec l'intention de redonner à la société cette vie qui m'a été offerte. Je veux, à travers des tableaux directs, offrir un franc éclat de rire et alléger un peu le fardeau du cœur de chacun.

Le hanbok semble indissociable de votre œuvre. On dit que vous nourrissez, depuis l'enfance, un amour particulier pour le hanbok — quel est son charme, et y a-t-il une raison particulière pour laquelle vous vous représentez vous-même en hanbok dans vos œuvres ?

Cela tient en grande partie au fait que je pratique la peinture coréenne depuis l'enfance. J'ai vraiment aimé les belles couleurs du hanbok, sa texture légèrement froissée, ainsi que les accessoires qui l'accompagnent. L'élégance unique du hanbok a fortement stimulé mon besoin d'expression. Me projeter moi-même en hanbok dans mes œuvres est un motif central pour donner à voir les « Histoires de Naesoong ». Le hanbok est un vêtement particulièrement efficace pour révéler ce phénomène : « être vêtue avec formalité et élégance tout en adoptant des comportements banals et quotidiens ». Je peins d'abord le personnage nu, puis je le rends translucide grâce au collage (pour le jeogori) ou au lavis à l'encre (pour la jupe), afin d'amener le spectateur à cette intuition sur le Naesoong : « on voit clairement ce qu'il y a dessous ». Le collage m'a aussi permis de restituer la texture froissée propre au hanbok — toutes ces idées sont nées, au fond, de mon goût personnel pour ce vêtement. En définitive, la fonction la plus essentielle que joue le hanbok dans mon œuvre est de suggérer un « choc face aux idées reçues ». La série « Naesoong » est partie d'une réflexion toute personnelle sur des personnes dont l'apparence diffère de l'intériorité, et je la fais aujourd'hui évoluer vers une réflexion plus large sur ce choc face aux conventions que nous portons tous en nous. Le contraste entre le hanbok élégant et raffiné, que l'on ne porte qu'en de grandes occasions, et des gestes quotidiens, un peu comiques, tout comme le contraste entre costume traditionnel et accessoires modernes, montre que nos idées peuvent parfois n'être que des conventions non questionnées. C'est un élément qui continuera d'accompagner toute ma vie d'artiste.

Vos œuvres se distinguent toutes par une inventivité qui saute aux yeux — on pourrait dire insolente, ou audacieuse. Y a-t-il une expérience personnelle qui vous a permis de développer cette pensée créative ?

Depuis toute petite, je rêvais de devenir artiste. Mes parents ne pratiquaient pas l'art eux-mêmes, mais s'y intéressaient beaucoup. Enfant déjà, j'allais très souvent au musée. Ma grande sœur faisait des études d'art, et les petites sœurs veulent naturellement suivre leurs aînées, n'est-ce pas ? C'est ainsi qu'est né tout naturellement le désir de « devenir comme ma sœur », et dès l'âge de dix ans, je peignais treize heures par jour. Je pense aussi que la façon dont mes parents m'ont éduquée a beaucoup compté. Ils me questionnaient souvent sur mes actes et mes pensées, et après chaque examen ou entretien important, ils me demandaient : « As-tu fait de ton mieux ? » Ces mots m'ont appris à me remettre en question et à comprendre à quel point l'effort dans le processus compte plus que le résultat lui-même. C'est cet ensemble de circonstances qui a fait de moi une personne créative et qui m'a finalement permis de peindre des tableaux aussi vivants et surprenants. De nombreux visiteurs de mes expositions me disent d'ailleurs souvent que mes œuvres sont « insolentes » ou « pleines de vivacité ».

Vous avez réalisé de très nombreuses expositions avec un grand nombre d'œuvres. Il doit bien y avoir une œuvre et une exposition qui vous ont particulièrement marquée ?

Toutes mes œuvres sont un peu comme mes propres enfants. Il m'est difficile d'en choisir une seule, mais s'il fallait le faire, je dirais que j'ai un attachement particulier pour « Narcisse », la toute première œuvre que j'ai réalisée sur le thème du « Naesoong ». Cette image, la plus ancienne de la série, montre le moment où une femme, un petit miroir de poche grand comme la paume de la main devant elle, se concentre entièrement sur son maquillage des sourcils — pour moi, l'image même du Naesoong. Cette œuvre m'a valu le grand prix au Concours national d'art féminin de Corée, ce qui compte énormément pour moi. « Étranger ou familier », une œuvre qui marque un tournant dans mon parcours artistique, m'est également très chère. La série Naesoong, dans sa version initiale, visait à caricaturer des personnes dont l'apparence diffère de l'intériorité — mais en travaillant, j'ai soudain réalisé que le personnage que je peignais était, au fond, ma propre image, ma propre réalité. Deux femmes assises face à face, chacune tenant une console de jeu incompatible avec celle de l'autre, mettent en image ce moment où l'on se regarde soi-même, à la fois familière et étrangère. C'est à partir de là que j'ai commencé à peindre véritablement le « Naesoong » comme un autoportrait.

L'exposition qui m'a le plus marquée est « Naesoong : parc d'attractions », qui s'est tenue pendant 27 jours en mars 2016. Avec un total de 67 402 visiteurs, elle a établi le record du nombre de visiteurs pour une exposition personnelle d'un artiste coréen. Un parc d'attractions évoque généralement un lieu où courent surtout les enfants. Moi, je voulais créer un espace de jeu au sein du quotidien des adultes, un véritable espace de libération — d'où l'idée de « Naesoong : parc d'attractions ». C'était un « terrain de jeu participatif », où les visiteurs pouvaient vivre une expérience aux côtés de l'artiste et créer des souvenirs marquants à travers des événements et des espaces participatifs. En contemplant les œuvres et en partageant une activité artistique avec moi, le public pouvait pleinement profiter de « Naesoong : parc d'attractions » tout en réfléchissant au sens de la réalisation de soi à travers le jeu.

On remarque aussi des œuvres liées aux activités de plein air, comme l'escalade ou le vélo. Vous les avez sûrement vécues vous-même — quelles activités de plein air aimez-vous particulièrement ?

Toutes mes œuvres représentent des choses que j'ai réellement vécues. Lorsque je décide de réaliser une œuvre ou de représenter une activité, je la vis d'abord moi-même, puis je la photographie. Je me photographie séparément en hanbok et en collants, avant d'assembler les images par collage. Car je ne veux jamais peindre à partir de la simple imagination. Depuis la recherche des conditions jusqu'à l'expérience elle-même et la prise de photos, tout cela demande beaucoup d'efforts et de travail, mais les différentes activités sportives m'y aident beaucoup. Ma plus grande préoccupation est toujours : « Quelle activité vais-je transformer en œuvre la prochaine fois ? » Le sport que j'apprécie le plus est le vélo, qui combine exercice aérobie et anaérobie, ce qui en fait un excellent moyen d'entretenir sa condition physique. Comme je passe mes journées à peindre dans mon atelier, j'ai besoin de bouger, alors je vais souvent dans le parc de mon quartier, où j'aime les appareils de fitness simples et familiers qu'on y trouve. J'apprécie des exercices quotidiens comme les redressements assis, les rotations de la taille, l'haltérophilie ou la barre fixe. En discutant avec les dames plus âgées pendant que je m'entraînais avec elles, je me suis dit que c'était là, au fond, de véritables « Jeux olympiques du quotidien ». J'ai finalement utilisé ce motif pour créer une œuvre, ce qui m'a permis, récemment, de réaliser l'exposition personnelle intitulée « Naesoong Olympics ».

Il doit y avoir aussi beaucoup de personnes ou de situations qui influencent vos œuvres.

C'est vraiment très varié. Comme toutes mes œuvres sont en quelque sorte des autoportraits, c'est réellement dans les moments du quotidien que je trouve le plus d'inspiration. L'œuvre « Esprit combatif » est née d'un moment où, tellement absorbée par mon travail que j'en avais sauté des repas et frôlais le malaise, je me suis vue dévorer un hamburger avec une énergie presque guerrière — je me suis alors dit : « voilà bien du Naesoong », et j'en ai fait le sujet de l'œuvre. Comme j'étais en train de peindre, je ne voulais pas me graisser les mains, alors je mangeais mes frites avec une paille — c'est exactement cette image de moi que j'ai peinte. C'est sans doute parce que je transpose ainsi un fragment de la vie réelle sur la toile que beaucoup de gens s'y reconnaissent facilement. Comme mes sujets naissent tout naturellement du quotidien, je reçois aussi, à travers mes échanges sur les réseaux sociaux, beaucoup d'inspiration et d'idées de la part des internautes.

Les figures qui m'inspirent sont les maîtres Kim Hong-do et Shin Yun-bok. Il m'arrive souvent de trouver l'inspiration en me remémorant les œuvres de ces artistes du passé. Parmi les artistes contemporains, Suh Do-ho et Takashi Murakami sont ceux qui orientent le plus mon travail. Il m'arrive aussi d'être inspirée par le film « Factory Girl », qui raconte l'histoire de l'artiste Andy Warhol et de sa muse Edie Sedgwick — en tant qu'artiste moi-même, j'y ai trouvé beaucoup d'échos, et je l'aime aussi parce qu'il me fait me demander si une muse semblable apparaîtra un jour dans ma propre vie.

Comme quelle artiste souhaitez-vous rester dans les mémoires ?

J'aimerais réaliser à l'étranger des expositions qui font connaître la Corée. Mon souhait, en définitive, est de faire un art qui vive au rythme du public, un art partagé avec de jeunes artistes. Si je devais nommer un objectif ultime, ce serait de contribuer à créer une structure culturelle dans laquelle l'art s'imprègne du quotidien, s'y enracine, et devient accessible au plaisir de tous.