Citylife | Cover Story: Sheer-Schönheitsbilder in Tusche und leichter Farbe – die Pop-Art der koreanischen Malerei

Cover Story

Sheer-Schönheitsbilder in Tusche und leichter Farbe – die Pop-Art der koreanischen Malerei

INTERVIEW

„Die Naesung-Serie ist keine Arbeit über die Blicke anderer, sondern darüber, mich selbst zu sehen“

TIPP

Warum hat sich in der Kunstwelt ein B-Movie-Gefühl breitgemacht?

→ Die explosionsartige Expansion des zeitgenössischen Kunstmarkts (die gesamten Auktionserlöse 2013 waren doppelt so hoch wie 2006)

→ Die Zyklen, in denen neue Werke auf den Markt kommen, werden immer kürzer.

→ Durch die langanhaltende Wirtschaftsflaute gerät das Fundament der Populärkultur ins Wanken.

→ Unter den Menschen ist ein neuer Stil entstanden: ein Leben, das arm, aber cool ist.

Die Schönheit beim Poolbillard … das Idol der koreanischen Malereiszene: Kim Hyun Jung

Die Figur, die in einem durchscheinenden Hanbok Poolbillard spielt, geht auf eine persönliche Erfahrung der Künstlerin zurück, die ihren Abschluss in Ostasiatischer Malerei an der Seoul National University machte: Schon von klein auf fühlte sie sich vom „Blick“ anderer unter Druck gesetzt. Wir sprachen mit der koreanischen Malerin Kim Hyun Jung (27), die ein Jahr lang an ihrer Ausstellung <Naesung Olympics> gearbeitet hat, über „lebhafte koreanische Malerei“.

Warum arbeiten Sie an der Naesung-Serie? Die Naesung-Serie ist mein bekennendes Selbstporträt, das auf einen Zustand der Loslösung von „Blicken“ und „gesellschaftlichen Konventionen“ und der Freiheit zielt. Seit meiner Jugend war ich stark auf die Blicke anderer bedacht. Um mein verblasstes Selbst wiederzufinden, begann ich die „Naesung-Serie“ als Selbstbefragung: „Was für ein Mensch bin ich?“ oder „Was für ein Mensch sollte ich sein?“

Wie läuft der Arbeitsprozess bei den Schönheitsbildern ab? Ich mache zunächst eine konzeptionelle Skizze, fotografiere mich als Vorlage für die Untermalung und stelle das Selbstporträt zunächst nackt dar. Um den halbtransparenten Hanbok darzustellen, färbe ich dünnes Hanji-Papier von Hand und setze es dann als Collage ein. Der Hanbok, durch den man hindurchsehen kann, wird so zur Metapher für Naesung – für die kokette Zurückhaltung. Er wirkt wie „see-through“, doch tatsächlich habe ich die Technik der Goryeo-Buddhabilder angewandt, bei denen die Kleidung mit weißen Konturlinien gezeichnet wird, um Transparenz auszudrücken.

Es ist zwar koreanische Malerei, wirkt aber wie eine Art vergnügliche Pop-Art. Ich wollte ausprobieren, wie es wäre, in einem eleganten, würdevollen Hanbok ganz unförmliche Dinge zu tun. Dabei halte ich an der traditionellen Technik fest, suche aber gleichzeitig nach Elementen, die zur zeitgenössischen Kunst passen. Ich würde mich freuen, wenn Betrachter meiner Bilder das Vorurteil ablegen, koreanische Malerei sei altbacken und verstaubt, und stattdessen lächeln können. Ich möchte, dass bildende Kunst genauso breit genossen wird wie Popmusik. Ich will viel mit dem Publikum kommunizieren – auch deshalb bin ich in sozialen Netzwerken aktiv.

In Ihren Bildern tauchen zugleich topaktuelle Konsumgüter wie Chanel-Taschen, Starbucks oder Modemagazine auf. Meine Bilder sind ein bekennendes Tagebuch, in dem ich – etwa in Titeln oder Motiven – möglichst ehrlich meine eigenen Gedanken zum Ausdruck bringe. Das Werk <Acha (Oops)>, dessen Titel sich aus der Silbe „a“ (im Sinne von „ich“) und der Silbe „cha“ (im Sinne von „Mangel, Fehler“) zusammensetzt, ist eine Metapher für einen Menschen mit einer kleinen Schwäche – gleichzeitig spielt der Titel auf den koreanischen Ausruf „Acha!“ an, der so viel wie „Ups!“ bedeutet. Die Hauptfigur ist so vertieft ins Ramen-Essen, dass sie gar nicht bemerkt, wie ihr Kaffee über die Tasche läuft. Dass sie dabei Ramen isst und gleichzeitig einen um ein Vielfaches teureren Starbucks-Kaffee trinkt, lässt sich auch als kleines Spiel lesen. Über den Kontrast zwischen traditioneller Kleidung und modernen Requisiten wollte ich zum Ausdruck bringen, dass unsere Vorstellungen manchmal unkritisch übernommene Konventionen sein können. Den Kern der „Naesung-Geschichte“ bildet die Wiederherstellung eines Selbst, das sich von der wahllosen Herrschaft des fremden Blicks über mich befreit.

Ein Mädchen in einem durchscheinenden Rock, einer bunten Jeogori-Jacke und derben Gummischuhen in Form von High Heels isst auf einem Gaskocher Ramen und spielt Poolbillard. Ein andermal macht sie, Chanel-Tasche und Starbucks-Kaffee neben sich, Sit-ups. Mit ihren originellen Ideen, Themen und Ausdrucksformen gilt Kim Hyun Jung als „unerschrocken“ und erfreut sich wachsender Beliebtheit; dabei versucht sie, ausgehend von Theorie und Technik der klassischen Ostasiatischen Malerei, neue Veränderungen zu wagen. Mit ihren Selbstporträts in der bei jungen Malern der Ostasiatischen Malerei selten anzutreffenden Technik von Tusche und leichter Farbe stellte Kim Hyun Jung im Gana Art Center den Besucherrekord seit dessen Eröffnung auf. Bei der Eröffnung ihrer Einzelausstellung <Naesung Olympics> trug die Künstlerin selbst, wie die Schönheiten in ihren Bildern, einen bunten Saekdong-Hanbok, trug ihr Haar geflochten und signierte so Werke. Die von ihr gemalten Sittenbilder des 21. Jahrhunderts wurden mit dem Urteil bedacht: „Auch koreanische Malerei kann so angesagt sein wie Pop-Art.“ Die Idee zu einem ihrer fortlaufenden Naesung-Werke, <2014 Naesung Olympics>, entstand im vergangenen Herbst, als sie Bürger beim Sport im Bürgerpark von Yangjae-dong beobachtete. Professorin Sun Seung-hye vom Seoul Museum of Art urteilt: „Indem sie unser Selbstbildnis zeigt, das sich selbst an den Blick anderer fesselt, strebt sie an, ausgehend von diesem Bewusstsein die Befreiung eines gefesselten Selbst zu erreichen“; und weiter: „Die Künstlerin selbst nennt es ‚Naesung', doch von außen betrachtet ist es eher ‚die Energie der Selbstbejahung'.“

„Gelehrte Rhetorik braucht es nicht. Auf ein hübsches Gesicht reagieren Männer instinktiv, Frauen mit Konkurrenzdenken. Der Blick wandert zum Körper. In der Popularität der Arbeiten zeigt sich, wie viel gemalt und wie viel Mühe investiert wurde – und darin liegt auch eine Klugheit, die sich von der eigenen Beliebtheit nährt.“

1. <Stil ist alles: Reine Seele> (2014), Tusche und leichte Farbe auf Hanji, Collage, 112×134cm

2. <Auch heute gut gemacht> (2014), Tusche und leichte Farbe auf Hanji, Collage, 107×165cm

3. <Naesung: Eine zufällig anmutende Begegnung> (2014), Tusche und leichte Farbe auf Hanji, Collage, je 129×153cm

4. <Oops> (2014), Tusche und leichte Farbe auf Hanji, Collage, 145×117cm

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Lee Mi-jeong, <Bild der hundert Mädchen> (2013), Lentikulardruck, 60×100cm

Orte, an denen sich die explosive B-Movie-Fantasie junger Künstler entdecken lässt

Der „Amado Art Space“ in Hannam-dong, der aus der früheren „Gaseum Lounge“ hervorging, ist eine gemeinnützige Kunstinstitution im Stadtteil Hannam-dong, Bezirk Yongsan-gu, Seoul. In dem zu diesem Zweck umgebauten dreistöckigen Wohnhaus lassen sich alternative Ausstellungskonzepte umsetzen; im rund 10 Meter entfernten Amado Art Institute finden Seminare und Symposien statt. Die Ausstellung „Amado Annuale – In Progress“ ist eine „prozesshafte Biennale“: In der Pre-Open-Phase zeigt sie bestehende oder in Vorbereitung befindliche neue Arbeiten der beteiligten Künstler, die dann im Zuge mehrfacher offener Diskussionen mit Künstlern, Kuratoren und Kritikern immer weiter verändert werden. Als Gegenentwurf zur klassischen „Biennale“ versteht sie sich – anders als ergebnisorientierte kommerzielle Biennalen – als diskurs- und prozessorientierte Ausstellung. Sie soll ästhetische Werte zwischen etablierten und aufstrebenden Künstlern austauschen und dient der Entdeckung neuer Kuratoren und Künstler unter 40 Jahren.

Amado Art Space, Tel. 02-790-1178, http://amadoart.org, Hannam-dong 683-31, Yongsan-gu, Seoul; Amado Art Institute, Hannam-dong 683-94, Yongsan-gu, Seoul

Common Center Statt zu erklären, von welchem Künstler welches Werk stammt, lässt dieser Ort die Aufmerksamkeit ganz auf die Bilder selbst lenken – an Wänden, von denen die Tapete abgerissen wurde oder die noch kahl geblieben sind. Der im November des Vorjahres eröffnete Ort versteht sich nicht als klassische kommerzielle Galerie aus „Sammler-Händler-Künstler“, sondern als ein „von Künstlern selbst betriebener Raum“. Auch die Bezeichnung „Center“ statt „Museum“ oder „Galerie“ sollte bewusst von diesen etablierten Begriffen loslösen. Ham Young-jun fungiert als Direktor, die Grafikdesignerinnen und -designer Kim Young-na und Kim Hyung-jae sowie die Künstlerin Lee Eun-woo wirken als „Mitglieder“ mit. Die Zahl der Mitglieder, die sich direkt am Betrieb beteiligen, dürfte künftig weiter wachsen. Die Erlöse aus Werkverkäufen werden, abzüglich der minimalen Betriebskosten, für neue Ausstellungen verwendet. Es finden verschiedene Förderprogramme, Residenzen, Lehraufträge sowie die Malerei-Ausstellung „Salon des Tages“ statt, die jeweils nur für einen Tag zu sehen ist.

070-7715-8232, www.commoncenter.kr, Gyeongin-ro 823-2, Yeongdeungpo-gu, Seoul

CL

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