Den | Mit Satire und Witz will ich meine eigene koreanische Malerei begründen

Kim Hyun Jung – die neue Generation koreanischer Malerei, gefeiert als Social-Media-Star

„Mit Satire und Witz will ich meine eigene koreanische Malerei begründen“

Die Künstlerin Kim Hyun Jung, die aufgrund ihres außergewöhnlichen Talents und ihrer Schönheit als „Idol der koreanischen Malerei“ bezeichnet wird, hat die im Niedergang begriffene koreanische Malerei zurück in die Mitte der Öffentlichkeit geholt. Welcher Reiz an ihr hat die Menschen so in ihren Bann gezogen?

Redakteurin Lee Young-min · Fotograf Jeong Young-ju · Haare und Make-up: Nueve de Julio (02-3443-6880) · Kostüme: Lee Mi-ok Hanbok (02-518-5371)

Profil: Kim Hyun Jung

• Bachelor-Abschluss in Orientalischer Malerei und Betriebswirtschaft, Seoul National University

• Promotionsstudium in Orientalischer Malerei, Graduate School, Seoul National University

• Derzeit Dozentin für koreanische Malerei an der Kyung Hee University und der Yongin University

• Derzeit Geschäftsführerin des Kim Hyun Jung Creative Center

„Kunst erregt nur dann Aufmerksamkeit, wenn man etwas tut, das noch niemand getan hat. Sich nur an bestehende Methoden zu halten bedeutet, in festgefahrenen Denkmustern gefangen zu bleiben. Ich wollte von Anfang an nicht dem etablierten Weg folgen – dem sogenannten „Standardrezept“ für einen sicheren, stabilen Erfolg –, sondern lieber irgendetwas auf meine eigene Weise ausprobieren.“

Kim Hyun Jung ist Malerin. Wie man so sagt, ist es üblich, dass jemand, der seine künstlerische Seele auf die Leinwand bannt, eher über sein Werk als über sein Gesicht in Erscheinung tritt. Doch ihr Gesicht sehen wir häufig. Zunächst einmal ist sie ein Social-Media-Star mit 170.000 Followern. Außerdem war sie im Fernsehen und in Zeitungen zu sehen und veranstaltet vielbeachtete Ausstellungen.

Dieses intensive Bemühen um Kommunikation mit der Öffentlichkeit hat auch entsprechende Ergebnisse gebracht. Sie wurde unter anderem von Forbes zu einer der „30 einflussreichsten Persönlichkeiten Asiens unter 30 im Jahr 2017“ gewählt und von der Dong-A Ilbo zu einer der „100 Persönlichkeiten, die Korea in zehn Jahren prägen werden“ gekürt – und stieg damit, in zahlreichen Personenrankings vertreten, zur derzeit meistbeachteten jungen Künstlerin auf. Forbes begründete die Auswahl damit, dass sie „durch ihre Werke bestehende Konventionen herausfordert“.

Ihr bekanntestes Werk, die Naesoong-Serie, sorgt on- wie offline für gewaltiges Aufsehen

Sie entstand aus einer autobiografischen Geschichte. Ursprünglich war ich keine Persönlichkeit, die nach dem Ungewöhnlichen strebte – im Gegenteil, ich war sehr empfindlich gegenüber den Blicken und Urteilen anderer. Das ständige Leben unter der Beobachtung anderer wurde mir so schwer, dass ich sogar an einer Depression erkrankte. Daraus entstand der Gedanke, die durch diese Blicke hervorgerufene Doppelbödigkeit der Menschen – ihr Auseinanderklaffen von Schein und Sein – in meinen Werken festzuhalten, und so entstand die Naesoong-Serie. Ich begann, Menschen zu malen, deren Äußeres und Inneres nicht übereinstimmen: Menschen, die vornehme Kleidung tragen und sich dabei alles andere als vornehm verhalten. „Naesoong“ bezeichnet im Koreanischen ursprünglich ein gespieltes, züchtiges Getue, mit dem man seine wahren Gefühle verbirgt – und genau darin trifft es sich thematisch mit dem Motiv des Blicks.

Warum, glauben Sie, steigt die Popularität der „koreanischen Malerin Kim Hyun Jung“ so rasant?

Vielleicht ist es die Unterstützung dafür, dass ich meinen eigenen Überzeugungen treu bleibe? (lacht) Als Malerin kommuniziere ich beständig über soziale Medien mit dem Publikum und betreibe auch rege Kooperationen mit Unternehmen, etwa bei der Gestaltung von Emojis oder Kunstprodukten. Ich halte zudem viele Vorträge für ein allgemeines Publikum. Da ich einen anderen Weg gehe als die meisten Malerinnen und Maler, habe ich mich oft gefragt: „Ist es wirklich richtig, so zu arbeiten?“ Heute freue ich mich, dass diese Art des Wirkens beim Publikum offenbar Anerkennung findet.

Was hat Sie dazu bewogen, gleichzeitig Betriebswirtschaft und Orientalische Malerei zu studieren?

Man sagt ja, „Maler hungern“ – und mich interessierte, wie der Kunstmarkt strukturiert ist. Das auf diese Weise begonnene BWL-Studium war nicht einfach. Wo andere drei Stunden lernten, musste ich dreißig Stunden lernen. Eine betriebswirtschaftliche Antwort, die den Hunger der Künstler stillen könnte, habe ich bis heute nicht gefunden, aber es hat mir bei Unternehmenskooperationen sehr geholfen. Derzeit führe ich ein Unternehmen namens „Kim Hyun Jung Creative Center“, und auch dabei hilft es mir, etwa im Personalmanagement.

Wie würden Sie Ihren eigenen Stil der Orientalischen Malerei beschreiben?

Was die Motive betrifft, entsteht ein Kontrast zwischen Hanbok und zeitgenössischen Alltagsgegenständen. Der Hanbok als zentrales Motiv meiner Werke steht für Formalität und Vornehmheit; durch den Kontrast zwischen dem Tragen des Hanbok und alltäglichem, wenig vornehmem Verhalten in der modernen Gesellschaft wollte ich metaphorisch das Auseinanderklaffen von Schein und Sein ausdrücken.

Technisch gesehen habe ich bei der Darstellung der Figuren die traditionelle koreanische Technik der Tuschemalerei mit laviertem Kolorit, Sumukdamchae, verwendet. Für die Darstellung des Hanbok wiederum setzte ich die Collage ein, eine Technik, die die westliche moderne Kunst mitbegründet hat. Dadurch, dass ich diese beiden grundverschiedenen Techniken – Sumukdamchae und Collage – in einem Bild vereine, wird das Werk unverwechselbar. Dass man zudem leicht durch den Hanbok hindurchsehen kann, dient dazu, das Thema „Naesoong“ auszudrücken: „Du versuchst es zu verbergen, aber dein Inneres ist völlig sichtbar.“ Diese Technik hat der Naesoong-Serie eine unverwechselbare Identität verliehen und ist einer der Gründe, warum so viele Menschen sich dafür interessieren.

Die Idee „Aktmalerei + Hanji-Collage“ ist ungewöhnlich

Ein weiter, blickdichter Hanbok-Rock erlaubt es, die Beine ganz nach eigenem Belieben zu bewegen, ohne sich um fremde Blicke sorgen zu müssen. Insofern ist er ein geradezu geheimnisvoller Raum. Genau das passte gut zum Thema „Naesoong“.

Als ich das jedoch tatsächlich malen wollte, war der Hanbok-Rock so breit und lang, dass sich die Beine darunter gar nicht darstellen ließen. Auf den langen Rock des Hanbok wollte ich aber auch nicht verzichten. Nach langem Grübeln kam ich schließlich auf die Idee eines transparenten Hanbok-Rocks, und nach zahllosen weiteren Versuchen entschied ich mich für die Hanji-Collage, mit der sich das raschelnde, papierne Gefühl des Hanbok-Stoffs am besten einfangen ließ.

Es dürfte nicht leicht gewesen sein, die „Tradition“ der koreanischen Malerei mit neuen Methoden zu verbinden

Ganz sicher nicht. Schon die Wahl des Hanji-Papiers war eine Kette von Schwierigkeiten. Anfangs arbeitete ich mit handelsüblichem Hanji, doch die Farbstoffe hielten nicht und verblassten sehr schnell. Deshalb suchte ich einen Färbemeister auf, um das Färben direkt von ihm zu lernen, und lernte zugleich die Herstellung von Hanji-Papier. Das klingt leicht gesagt, aber wer gibt schon bereitwillig sein Know-how weiter? Ich bin über ein Jahr lang immer wieder zu ihm gegangen, bis er mich schließlich aufnahm, und ich habe es mir mühsam angeeignet. Das Hanji-Papier, das ich für meine Arbeiten verwende, stelle ich heute vollständig selbst her und färbe es auch selbst.

Es gibt auch kritische Stimmen zu den durchscheinenden Hanbok-Darstellungen, bei denen die nackte Haut sichtbar wird

Das war nicht meine Absicht, aber ich kann mir vorstellen, dass solche Reaktionen entstehen. Allerdings ist die Darstellung eher mit dem Tragen einer Leggings vergleichbar, ich male ja keine unbekleideten Körper – die meisten Reaktionen lauten daher, es sei zwar gewagt, aber nicht anstößig. Man könnte sagen, es bewegt sich hart an der Grenze. Wenn Menschen Ablehnung zeigen, sage ich scherzhaft: „Was einem zuerst ins Auge fällt, verrät wohl, wofür man sich interessiert.“ (lacht)

Interessant, dass Sie Alltägliches auf die Leinwand bringen. Gibt es bestimmte Dinge, aus denen Sie besonders Inspiration schöpfen?

Ich halte den Alltag ständig in Notizen und Fotos fest. Besonders die „Naesoong-Geschichten“ sind wie ein Tagebuch angelegt. Deshalb finde ich in jedem Moment des Lebens Inspiration. Hanbok, Schuhe, Taschen, Instantnudeln, Kaffee – alles, worin sich meine Zuneigung und mein Interesse widerspiegeln, wird auf natürliche Weise zu einem wichtigen inspirierenden Element.

Insbesondere Schuhe und Taschen sogenannter Luxusmarken sind „Kristallisationspunkte des Blicks“: Ihr Nutzen wird erst durch den Blick anderer maximiert, während zugleich ein durchaus kritischer Blick auf sie existiert – wahrhaft ironische Gegenstände also. Sie stehen symbolisch für die Ironie zwischen „Blick“ und „gesellschaftlicher Konvention“, werden bei mir aber zugleich mit Witz dargestellt. Deshalb kann es auch ein reizvoller Aspekt der Betrachtung sein, sich in meinen Werken gezielt die Schuhe und Taschen anzusehen – insbesondere die Schuhe.

In letzter Zeit arbeiten Sie auch verstärkt mit Unternehmen zusammen

Damit Kunst im Alltag genossen werden kann, müssen sich Künstlerinnen und Künstler auch für die kommerzielle Nutzung und den Konsum ihrer Werke interessieren. Das Wirken des japanischen Künstlers Takashi Murakami ist ein repräsentatives Beispiel dafür, wie Künstler und Unternehmen symbiotisch zusammenwirken und Kunst zu einem Teil des Alltags werden kann. Durch Kooperationen können Künstler bereits bekannte, populäre Marken als Plattform nutzen, um ihre Werke in das Leben der Öffentlichkeit einzugliedern. Unternehmen wiederum können, indem sie das Werk in ihre Produkte oder deren Bildsprache einbinden, eine kulturelle Bedeutungsebene erzeugen, die sich von gewöhnlicher kommerzieller Werbung unterscheidet, und so letztlich ihren Gewinn steigern.

Woran arbeiten Sie zurzeit?

Unter dem Titel „Sittenbilder des 21. Jahrhunderts“ arbeite ich derzeit an Werken, die das Leben von uns heute einfangen. Die Motive reichen von Hommagen an die Sittenmalerei der Joseon-Zeit bis hin zu Darstellungen eigentümlicher zeitgenössischer Bräuche. Beispiele sind etwa die „Sauna-Serie“, die Menschen beim Baden in der Sauna zeigt, die „Waschsalon-Serie“, die Menschen in Selbstbedienungswaschsalons zeigt, oder die „Friseursalon-Serie“, die Menschen bei Make-up und Haarstyling im Friseursalon zeigt. War meine bisherige Arbeit vor allem auf das „Ich“ konzentriert, weitet diese neue Werkreihe den Blick etwas stärker auf das „Wir“ unserer gemeinsamen Gegenwart.

Was ist Ihr letztendliches Ziel als koreanische Malerin?

Ich denke, die Arbeit einer Malerin kann nur nachhaltig sein, wenn das Publikum Kunst als ein nicht schwieriges, sondern unterhaltsames Feld wahrnimmt. In dieser Hinsicht sind soziale Medien ein sehr wirksames Kommunikationsmittel. Für mich sind sie ein Teil meiner künstlerischen Arbeit selbst. Wenn ich meinen Arbeitsprozess über soziale Medien öffentlich zeige, bringen viele verschiedene Menschen ungewöhnliche Ideen ein oder hinterlassen andere Interpretationen. Dieser Prozess verbindet sich organisch mit meiner Arbeit und führt zu besseren Werken. Ich nenne das „Social Drawing“, und mein Ziel ist es, dieses Genre zu begründen. Letztlich wünsche ich mir, dass die Kultur der „Kunst“ ebenso breit und populär genossen wird wie die Musik.

„Beim Betrachten alter Gemälde muss man zunächst die Zeitumstände jener Epoche erfassen, um das Bild richtig zu lesen und die Absicht des Malers wirklich zu verstehen. Auch ich möchte Werke schaffen, die die Zeitumstände unserer Gegenwart gut widerspiegeln, sodass ich mit den Menschen von heute durch meine Bilder viele Gefühle und Gedanken teilen kann.“

Naesoong: Süßes Flüstern (feat. Kreditlimit überschritten)

47,2 × 69,2 cm, Collage, Tusche und Lavis auf Hanji, 2016

Naesoong: Die Mugunghwa-Blüte ist aufgegangen

187 × 111 cm, Collage, Tusche und Lavis auf Hanji, 2014