Oh! Creator | Die Geschichte der Hanguk-hwa-Malerin Kim Hyun Jung – Naesoong-Serie Teil 1

Die Hanguk-hwa-Malerin Kim Hyun Jung – Zweite Geschichte

Unser Alltag, ganz real! Die Genrebilder des 21. Jahrhunderts – die „Naesoong“-Serie

Kim Hyun Jung erzählt, dass sie ihr Leben lang sich selbst am Blick anderer gemessen habe. Menschen, die ihr ins Gesicht lächelten, redeten hinter ihrem Rücken anders über sie, und der Umgang mit Menschen, die sie vorschnell nach Vorurteilen beurteilten, trieb sie sogar in eine Depression. Weil ihr das Gewicht dieser Blicke zu schwer wurde, begann sie, ihre innere Geschichte in Bildern auszudrücken. Sie hätte am liebsten gefragt: „Und wie ehrlich seid eigentlich ihr selbst?“ – doch die Hauptfigur in ihren Bildern glich am Ende nicht den anderen, sondern ihr selbst, und so begann sie sich zu fragen, wie sehr sie sich eigentlich von den anderen unterschied.

Indem sie sich selbst so annahm, wie sie war, und alltägliche Szenen einfing, in denen Schein und Sein auseinanderklaffen, entstanden ungeschönt die Serien „Naesoong Iyagi“ (Naesoong-Geschichten), „Naesoong Olympic“ und „Naesoong Nolidongsan“ (Naesoong-Vergnügungspark). Die von traditionellen Hanguk-hwa-Techniken geprägten, frischen Bilder wurden zu Kim Hyun Jungs charakteristischem Stil, und ausgehend von ihrer künstlerischen Arbeit erweiterte sie ihr Wirkungsfeld um Vorlesungen, Vorträge und Kollaborationen, um sich selbstbewusst für eine „Kunst des Dialogs“ einzusetzen.

Ein bekennendes Selbstporträt auf der Suche nach Freiheit von Blicken und gesellschaftlichen Konventionen – und zugleich eine Kunst, die durch Empathie mit dem Publikum in Dialog tritt. Die zweite Geschichte über Kim Hyun Jung handelt von der „Naesoong“-Serie, die zugleich sie selbst ist.

F: Erzählen Sie doch zunächst, wie alles mit der „Naesoong-Frau“, der Hauptfigur der Naesoong-Serie, begann.

Ich habe die Naesoong-Frau seit dem dritten Studienjahr gemalt. Als ich bei Wettbewerben wie dem Korean Women's Art Grand Exhibition und dem World Peace Art Exhibition, an denen ich eher beiläufig teilnahm, mit „Naesoong Iyagi“ den Hauptpreis in der Kategorie Hanguk-hwa gewann, begann ich, mich intensiver mit dem Thema Naesoong auseinanderzusetzen. Ursprünglich wollte ich Menschen karikieren, die innen anders sind als außen und sich verstellen, doch inzwischen hat sich der Kern der Arbeit zu mir selbst verlagert – zu einem bekennenden Selbstporträt, das von Ausbruch und Freiheit träumt. Über diesen Prozess hinweg ist „Naesoong“ selbst heute für mich Gegenstand einer psychologischen und philosophischen Analyse.

F: Was bedeutet „Naesoong“ in Ihrer Arbeit?

In meiner Arbeit ist „Naesoong“ ein weiterer Begriff, als er im Alltag gebraucht wird. Er bezeichnet „jede Haltung, bei der man eine Fassade zeigt, die vom eigenen Inneren abweicht, um den Blick oder die konventionellen Erwartungen anderer zufriedenzustellen“. Mein Ziel war es, das möglicherweise unangenehme Thema „Blick“ hell und mit Witz darzustellen – der Botschaft und der Darstellungstechnik zugleich eine gewisse Ironie zu verleihen.

F: Warum stellen Sie die Naesoong-Figur überwiegend als Frau dar?

Die ursprüngliche Bedeutung von „Naesoong“ ist geschlechtsneutral. Es handelt sich eher um die Diskrepanz, die entsteht, wenn Menschen aus dem allgemeinmenschlichen Bedürfnis nach Anerkennung heraus ihre Schwächen verbergen und sich von ihrer besten Seite zeigen wollen. Aber so, wie man bei „Naesoong“ meist automatisch an Frauen denkt, ist es tatsächlich auch Realität, dass Frauen ihre wahren Bedürfnisse und ihr eigentliches Wesen häufiger verbergen als Männer. Weil ich das als Frau selbst unmittelbar erlebt habe, ist auch das ein Grund, warum ich die „Naesoong“-Figur als Frau darstelle.

F: Die realitätsnah eingefangenen Situationen der Naesoong-Frau haben besonders viel Anklang gefunden. Woher nehmen Sie die Ideen für Situationen und Requisiten?

Da es sich um Selbstporträts handelt, lasse ich mich tatsächlich von Momenten des Alltags inspirieren. „Tuhon“ (Kampfgeist, 2013) etwa entstand aus einem Moment, in dem ich, weil ich über der Arbeit Mahlzeiten ausgelassen hatte, kurz vorm Umkippen stand und wie im Kampf einen Hamburger verschlang. Weil ich gerade mitten im Malen war, ist die Figur zu sehen, wie sie Pommes frites mit dem Strohhalm aufpickt, um sich die Hände nicht fettig zu machen. „Unchi itda“ (Voller Atmosphäre, 2013) entstand aus der Erfahrung, wie ich in der Toilette – dem einzigen Raum, der wirklich mir allein gehört – am Smartphone herumtippte und dabei dachte, dieser Moment sei zugleich heimlich und voller Atmosphäre. Wenn mir eine Idee kommt, prüfe ich zunächst, ob sie nur auf mich zutrifft oder ob andere sich darin wiedererkennen können. Erst danach entwickle ich die Geschichte zur Situation und arbeite die Bildkomposition aus.

F: Dadurch haben Sie sich den Beinamen „Genremalerin des 21. Jahrhunderts“ verdient.

Ich wollte Ausländern und auch Kindern, die einmal im zukünftigen Korea leben werden, zeigen, wie Korea in dieser Zeit aussieht – so wie wir anhand alter Genrebilder erahnen können, wie das Leben in jener Zeit aussah. Ich finde, das öffentliche Badehaus ist wirklich ein einzigartiger, besonderer Teil unserer Kultur, aber man findet kaum Fotos davon, nicht wahr? Deshalb habe ich ganz alltägliche Szenen aus dem Frauenbadehaus auf schöne Weise gemalt. Ideen kommen mir oft plötzlich aus dem Leben und der eigenen Erfahrung, und je universeller sie sind, desto mehr Zuspruch scheinen sie zu finden.

F: Nachdem man den Werktitel gelesen hat, wirkt die Situation der Naesoong-Frau noch amüsanter und vertrauter. Wie finden Sie die Titel für Ihre Werke?

Ich überlege lange, um einen Titel zu finden, der Witz hat und zugleich das Thema des Bildes gut vermittelt. Besonders Titel mit doppelter Bedeutung wie „Acha (我差, Oops)“ scheinen den Betrachtern Freude zu bereiten. Bei „Acha“ werden mit den Schriftzeichen für „Ich“ (我) und „Mangel“ (差) das Ungenügende der dargestellten Figur betont und ihr kleiner Fehltritt metaphorisch gefasst, während zugleich das Lautwort „Acha!“ – das man in einer solchen Situation ausrufen würde – als Titel dient. Wenn man beim Ramen-Essen plötzlich bemerkt, dass in der Designer-Handtasche (Starbucks-)Kaffee ausläuft, ist das nicht genau so ein „Acha“-Moment? Genau solche spielerischen Situationen versuche ich in meiner Arbeit zu verfolgen.

F: Sie stellen Werkbilder auch in sozialen Netzwerken vor und lassen die Titel quasi „ausschreiben“, oder?

Ich wollte die Mühen der Arbeit nicht allein zu ernst nehmen, sondern möglichst vielen Menschen einen leichten, unterhaltsamen Zugang ermöglichen. Auch sonst überlege ich, sobald ein Werk fertig ist, gemeinsam mit Freunden oder der Familie anhand mehrerer Vorschläge, welcher Titel am besten passt. Vor allem lege ich großen Wert darauf, dass das Werk mit dem Publikum in Dialog tritt. Ich rede auch gerne direkt über soziale Netzwerke mit Menschen und entwickle gemeinsam mit ihnen Geschichten. Ich denke, solche Prozesse können auch dem Publikum helfen, die Werke besser zu verstehen.

F: Da Sie sich vom Alltag inspirieren lassen, sind die Situationen und Gegenstände sehr zeitgemäß, während Technik und Material an der Tradition festhalten.

Ich wollte Arbeiten schaffen, die die Elemente traditioneller Schönheit bewahren und zugleich zeitgenössisch leicht zugänglich und nachvollziehbar sind. Besonders ambitioniert bin ich, wenn es darum geht, die Schönheit des Hanbok darzustellen. Mit Hanji-Collagen habe ich die charakteristische, raschelnde Textur der Hanbok-Jacke (Jeogori) plastisch herausgearbeitet, während die mit Tusche und leichter Lavierung gemalten Hanbok-Röcke den durchscheinenden nackten Körper darunter wirkungsvoll zeigen – in der Hoffnung, dass die Betrachter dadurch Einsicht in das Wesen von Naesoong gewinnen. Mit der Zeit wird mir immer klarer, wie wichtig „Verschmelzung“ ist. Bei der Arbeit denke ich oft an die Werke früherer Meister wie Kim Hong-do und Shin Yun-bok. Die Aufrichtigkeit und der Witz alter Genrebilder, ihr Gespür für Bildkomposition und ihre Pinselführung sind für mich wie ein Vorbild.

F: Die Naesoong-Frau trägt Hanbok. Warum haben Sie sich für den Hanbok entschieden?

Die heutige Vorstellung vom Hanbok als vornehmer Kleidung für formelle Anlässe steht im Kontrast zu den ganz natürlichen alltäglichen Handlungen der Figur und kann so die Kernidee von Naesoong wirkungsvoll vermitteln. Der Gegensatz zwischen „Förmlichkeit“ und „Alltag“ steht metonymisch für den Gegensatz von „Schein“ und „Sein“, der Naesoong ausmacht. Der Hanbok besteht oft aus mehreren übereinander getragenen Schichten und hat wegen seines langen, weiten Rocks auch eine verbergende Eigenschaft. Indem ich zeige, was sich unter dem Hanbok verbirgt, kann ich dem inneren Wesen der Naesoong-Figur leichter näherkommen. Ganz persönlich mag ich außerdem die Linien, Farben, Muster und den Schmuck des Hanbok – auch das ist einer der wichtigen Gründe, warum ich ihn male.

(Von den Materialien, die die Hanguk-hwa-Malerin Kim Hyun Jung verwendet, bis zu ihrem elfstufigen Arbeitsprozess – mehr über die Naesoong-Serie erfahren Sie in der nächsten Folge.)

Konzept | Design Press Redaktion

Recherche und Text: Design-Press-Redakteurin Moon Han-a

Fotos: Kim Jan-deu (516 studio)

Materialbereitstellung: Kim Hyun Jung Art Creative Center

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Oh! Creator – Hanguk-hwa-Malerin Kim Hyun Jung

1. Eine Spurensuche in Schlüsselwörtern

☞ 2. Kim Hyun Jungs Naesoong-Serie (1)

3. Kim Hyun Jungs Naesoong-Serie (2)

4. Als Künstlerin überleben

5. Kim Hyun Jungs „Gefällt mir“ (Alltag und Vorlieben)