Sports Chosun | [Trend100-34] Koreanische Malerin Kim Hyun Jung: „Ich kommuniziere mit der Welt durch Sittenbilder des 21. Jahrhunderts!“

[Sports Chosun Enter-Style-Team, Reporterin Lee Han-na] So eine trendige koreanische Malerei!

„Malen bedeutet nicht bloß, eine Situation abzubilden, sondern eine Art und Weise, einen Moment des Lebens auszukosten, und ist ein guter Weg, die Welt gut zu sehen" – so sagte es der britische Kunstkritiker John Ruskin. Wörtlich genommen fängt ein Bild die Welt ein. Menschen, Tiere, Pflanzen, Landschaften – betrachtet man ein Bild, erkennt man das Bild der jeweiligen Epoche, ihre Sitten, wie die Menschen gelebt haben. Künstler, die den Zeitgeist ihrer jeweiligen Epoche am besten einfangen, werden stets geliebt.

In jüngster Zeit gibt es eine koreanische Malerin, die weltweit geliebt wird, weil sie Bilder malt, die man geradezu als Sittenbilder des 21. Jahrhunderts Südkoreas bezeichnen könnte. Es ist Kim Hyun Jung. Sie eröffnete im Januar 2016 als jüngste Koreanerin überhaupt eine Einzelausstellung im Metropolitan Museum in Manhattan, New York, und wurde am 13. April dieses Jahres von der US-Wirtschaftszeitschrift Forbes in die Liste der „einflussreichsten unter 30-Jährigen Asiens" aufgenommen. Man kann sie geradezu als Idol und Star der koreanischen Malereiszene bezeichnen. Ihr Talent wird nicht nur in Korea, sondern auch weltweit anerkannt.

Ihre Bilder zum Thema Naesung bestechen durch einen ehrlichen, schlichten und zugleich frechen Reiz. Der Reiz der Naesung-Serie, in der Frauen im Hanbok auftreten, liegt darin, flüchtige Momente wie aus dem eigenen Alltag ungeschminkt offenzulegen.

In jüngster Zeit haucht sie mit dem SNS-basierten Genre des „Social Drawing" der bisher als statisch und eintönig geltenden koreanischen Malerei neuen Wind ein. Welche Bedeutung hat wohl die Welt, die die koreanische Malerin Kim Hyun Jung mit dem Wort Naesung zeichnet? Wir haben sie getroffen und mit ihr gesprochen. (Es folgt das Interview in Frage-Antwort-Form.)

- Stellen Sie sich bitte kurz vor.

▶ Ich bin die koreanische Malerin Kim Hyun Jung, die zum Thema Naesung malt. Tatsächlich male ich nicht nur koreanische Malerei, sondern beschäftige mich gleichmäßig mit verschiedenen Genres. Ich stelle auch Skulpturen und Videoarbeiten her. Mit einem Wort, das heutzutage beliebt ist, würde man wohl eher „Pop-Künstlerin" sagen. In der Naesung-Serie tritt meist eine Frau im Hanbok auf. Ich zeige eine Frau im Hanbok, die ein iPhone in der Hand hält, Lotto spielt oder Roller fährt. Man sagt auch, es sei „ein Sittenbild des 21. Jahrhunderts". Persönlich habe ich beim Malen das Gefühl, ein Bildtagebuch zu führen. Man könnte auch sagen: ein Selbstporträt (lacht).

- Als Sittenbild des 21. Jahrhunderts dürfte es jedes Mal schwierig sein, ein Thema festzulegen. Es muss ja diesen Moment am besten einfangen.

▶ Stimmt. Deshalb dachte ich, dass man beim Festlegen eines Themas nicht die Gegenwart betrachten sollte, sondern so, dass man in 10 oder 30 Jahren auf dieses Bild blickt und denkt: „Ach ja, genau, so war das vor 10 Jahren." Ich möchte mit dem Bild den Trend dieser Zeit einfangen und eine Geschichte erzählen. Als ich früher gearbeitet habe, musste ich das Angesagteste jener Zeit einfangen. Deshalb habe ich ein iPhone 4 hineingemalt. Aber inzwischen gibt es bessere iPhones. Allein solche Details zeigen den Zeitgeist. Als einmal ein Honey-Butter-Chip-Fieber ausbrach, habe ich Honey-Butter-Chips gemalt.

Ich bemühe mich sehr, Dinge wie die „Sampo-Generation", die die heutige Zeit ausdrücken, bildlich einzufangen. Als ich klein war, bin ich oft ins Ausland gereist und habe dort vor allem Museen und Galerien besucht. Wenn man sich dort Werke ansieht, stellt man fest: Obwohl es zweifellos schon Video und Fotografie gab, beurteilten die Menschen die jeweilige Epoche anhand von Gemälden. Da dachte ich: „Ach, ein Bild kann gewissermaßen wie eine Zeitmaschine wirken", und da es die Kultur eines Landes oder einer Epoche zeigt, könnte man sogar sagen, es ermögliche eine Verständigung zwischen Ländern ganz ohne Dolmetscher. Das fand ich spannend. Deshalb habe ich es wohl schon immer geliebt, verschiedene Epochen bildlich festzuhalten.

Auch ich mache mir, wie viele Frauen in ihren 20ern und 30ern, 365 Tage im Jahr Gedanken über Diäten. Wenn ich esse, habe ich ein enormes Schuldgefühl. Deshalb male ich mich manchmal, wie ich mir jeden Tag sage: „Morgen fange ich mit der Diät an." Oder, weil ich Tteokbokki liebe, male ich den früheren Straßen-Tteokbokki-Stand an der Gangnam-Station. Inzwischen sind ja all die Straßenstände an der Gangnam-Station verschwunden. Und auch die Preise werden sich in etwa 10 Jahren geändert haben. Dann wird man vielleicht sagen: „Wow, Tteokbokki hat damals nur 3.000 Won gekostet?" Solche Dinge stelle ich in meinen Bildern ganz realistisch dar.

- Ich habe gehört, dass Sie schon von klein auf gemalt haben. Mich interessiert, was der Anlass war, den Weg der koreanischen Malerei einzuschlagen.

▶ Es fällt mir schwer zu sagen, „wann ich mit dem Malen begonnen habe". Als Kinder malen wir ja schon, bevor wir überhaupt schreiben lernen. Wir malen an die Wand, aufs Bettzeug (lacht). In dieser Zeit wird wohl jeder als „Maler" bezeichnet, und ich habe es schon damals sehr geliebt zu malen. So begann ich, vom Malerberuf zu träumen. Da ich ab dem Alter von 8 Jahren ein professionelles Atelier besuchte und dort malen lernte, war es für mich völlig selbstverständlich, auf eine Kunstoberschule zu gehen.

Als ich dann in der 1. Klasse der Oberschule verschiedene Fächer belegte, um mein Universitätsfach festzulegen, fand ich die ostasiatische Malerei besonders reizvoll. Damals hatte ich fast 10 Jahre lang fast ausschließlich westliche Malerei betrieben, weshalb ich Lust hatte, etwas Neues auszuprobieren.

Tusche, Reibsteine – alles war neu für mich. Es war wirklich spannend. Ich dachte: „Ich bin Koreanerin, warum halte ich erst jetzt zum ersten Mal einen Pinsel?", und die Vorlagen, die die Lehrerin mir zum Nachzeichnen gab, waren so schön, dass ich sie unbedingt schnell und gut nachzeichnen wollte. Vielleicht wegen meines von klein auf hartnäckigen, ehrgeizigen Wesens hatte ich auch den starken Gedanken: „Wenn schon, dann sollte ich doch lieber die weltweit beste Malerei meines eigenen Landes malen", und entschied mich so für die koreanische Malerei.

Etwa zu dem Zeitpunkt, als ich diese Entscheidung traf, sah ich zufällig ein Tuschebild eines Hundes, gemalt von einer Westlerin. Eine Deutsche hatte mit Tusche einen Hund gemalt. Es war wirklich gut gemalt. Als ich das sah, dachte ich: „Selbst für mich als Koreanerin ist das schwierig, und diese Ausländerin hat sich wirklich bemüht." In diesem Moment dachte ich: „Wenn ich wirklich gut Ölmalerei beherrsche, werden Ausländer beim Anblick meiner Werke wohl denken: 'Diese kleine asiatische Frau hat sich wirklich bemüht.'" Eigentlich sollte man sich beim Betrachten meiner Werke fragen: 'Warum hat diese Person einen Hund gemalt?', 'Warum trägt sie Hanbok?' Aber wenn ich meine heutigen Arbeiten in Ölmalerei ausführen würde, würden gerade das Symbol des Materials und der Schleier der Maltechnik das verdecken, was ich eigentlich rein ausdrücken wollte. Also dachte ich, dass ich umso mehr etwas aus meinem eigenen Land machen sollte.

- Wenn ich mir die traditionellen Bilder anderer koreanischer Maler ansehe, die ich kenne, haben sie meist einfache Linien und viel Leere im Bildraum. Bei Kim Hyun Jungs Werken hingegen hat man eher das Gefühl eines Fotos. Wenn man die witzigen Situationen in den Bildern betrachtet, hat man manchmal das Gefühl: „Ist das nicht wie ich selbst im Hanbok?"

Wenn ich meine Bilder vorstelle, sage ich, dass ich den Hyperrealismus der Ölmalerei mit der koreanischen Malerei verbunden habe. Aber diese Art der realistischen Darstellung war ursprünglich eine in Korea existierende Maltechnik. Die koreanische Malerei lässt sich grob in zwei Richtungen unterteilen. Es gibt die vielfach als „koreanisch" bezeichnete Richtung mit viel Leere und stark vereinfachten Linien. Und es gibt genau das Gegenteil: extrem realistische, geradezu fotografisch wirkende Porträtmalerei.

Wenn man alte Gemälde aus Korea, China und Japan vergleicht, etwa Landschafts- oder Porträtmalerei, hatte ich manchmal das Gefühl, dass die koreanischen Bilder in Ausdrucksweise und technischer Entwicklung etwas hinterherhinken. Auch ich habe mich gefragt: Korea ist doch seit jeher für seine handwerkliche Geschicklichkeit bekannt – „warum blieb die technische Entwicklung der Darstellung in unseren Bildern so zurück?" Aber als ich mich näher damit beschäftigte, stellte ich fest: Diese Techniken waren nicht unentwickelt geblieben, sondern hatten tatsächlich existiert – doch während der japanischen Kolonialzeit betrieb Japan eine Politik der Auslöschung der koreanischen Kultur und nahm all diese hervorragenden, schönen Werke mit oder zerstörte sie.

Als Ergebnis wirkt es heute so, als sei die Geschichte der Maltechnik und ihrer Entwicklung plötzlich abgerissen, wenn man alte Bilder betrachtet. Man hat die eigenständige koreanische Maltechnik so weit von ihren Wurzeln getrennt, dass man sie nicht mehr auffinden kann, und unter dem Deckmantel der Modernisierung wurden neue Methoden gewaltsam eingeführt und gelehrt. Von den Porträts der Menschen früherer Zeiten, selbst von Königen, sollen bis auf zwei Stück alle verloren gegangen sein. Seit ich diese Geschichte kenne, arbeite ich noch engagierter und mit noch mehr Stolz. Auch die Pigmente, die ich für meine Bilder verwende, stammen ausschließlich aus meinem eigenen Land.

- Kim Hyun Jungs Bilder scheinen viele kräftige, ursprüngliche Farben zu verwenden.

▶ Tatsächlich ist die Zahl der Pigmentarten begrenzt, aber ich mische sie gut und setze sie ein. Ich erzeuge Farben durch Licht-Schatten-Kontraste oder mehrfaches Übermalen. Um wie in „Ich werde rennen" das Pferd in dieser kräftigen Farbe zu malen, bräuchte man eigentlich selbst bei dreißig Schichten kaum die gewünschte Farbe. Während bei gewöhnlicher Volksmalerei pro Werk etwa 10 Farbschichten aufgetragen werden, trage ich etwa 30 bis 40 Farbschichten zusätzlich auf. Durch das Übermalen entsteht eine noch kräftigere Farbe. Deshalb dauert ein einzelnes Bild sehr lange.

- Wie lange dauert normalerweise die Arbeit an einem einzelnen Werk?

▶ Das hängt vom Bildmotiv ab, aber wenn ich ohne einen einzigen Ruhetag male, dauert es durchschnittlich 2 bis 6 Monate. Ich selbst arbeite mit dem Gedanken, so etwas wie eine Beamtin oder Angestellte zu sein. Ich komme um 9 Uhr morgens ins Atelier und beende die Arbeit zwischen 19 und 20 Uhr, dann gehe ich nach Hause. Natürlich gibt es auch Überstunden (lacht).

- Beim Malen gibt es ja verschiedene Themen. Klettern, Reiten und so weiter. Malen Sie immer, was Sie selbst erlebt haben?

▶ Das Bild mit dem Klettern ist eine Channel-ID (ein kurzes Video, das zwischen Sendungen läuft), die in Zusammenarbeit mit dem Sender Arirang TV entstanden ist. Um das Bild zu malen, habe ich auch Klettern gelernt, aber ich bin darin eigentlich nicht gut – im Video habe ich nur so getan, als könnte ich es gut (lacht). Natürlich könnte man auch einfach anhand der vielen im Internet verfügbaren Materialien malen. Ich könnte einfach so tun, aber ich glaube, dass ich das, was ich unmittelbar selbst gefühlt habe, ausdrücken sollte. Also habe ich auch Klettern gelernt, und es war nicht einfach. Es war wie das Leben. Wenn man nicht selbst Stufe für Stufe tritt, kommt man nicht auf seine eigene Weise voran. Das Leben lässt sich, so sehr man es sich auch wünscht, nicht einfach überspringen. Mit dem Gedanken, Schritt für Schritt langsam voranzugehen, habe ich dieses Bild gemalt.

- Ihre Bilder haben oft eigenwillige Titel.

Ich möchte Titel geben, die als Brücke zwischen mir, dem Publikum und dem Bild dienen können, deshalb gebe ich ihnen, wie einem ungeborenen Kind, einen „Taemyeong" (vorläufigen Namen). Wenn ich ein Werk beginne, ziehe ich etwa 10 bis 20 Namen in Betracht. So werden sie manchmal wie Spitznamen genannt, manchmal wird ein Taemyeong festgelegt, und manchmal werden der endgültige Name und der Taemyeong identisch. Wenn ich so einen Taemyeong vergebe und ihn benutze, entsteht während der Arbeitszeit ohnehin eine stärkere Zuneigung, und das Bild wird mir noch kostbarer.

- Sie sind auch sehr aktiv in sozialen Medien. Sie haben auch das neue Genre „Social Drawing" geschaffen, wie ich gehört habe.

▶ Als Künstlerin wünsche ich mir eigentlich einen Raum, in dem ich dem Publikum 365 Tage im Jahr Bilder zeigen kann, aber das ist realistisch schwierig. Da kam mir der Gedanke: „Könnten soziale Medien nicht die Rolle meiner eigenen Online-Galerie übernehmen?", und so begann ich, mich aktiv in sozialen Medien zu engagieren. Da ich mit vielen Menschen über soziale Medien kommunizierte, erweiterte sich das ganz natürlich zu einer Form namens „Social Drawing". Die Leute hinterließen in den sozialen Medien noch bessere Interpretationen und sprachen über die nächste Komposition. Anfangs war das ehrlich gesagt Stress für mich. Es war mein eigener Bereich, und ich hatte das Gefühl, irgendwie hineingedrängt zu werden. Am Anfang war es unangenehm.

Aber später dachte ich: „Warum wollte ich das eigentlich allein machen? Lass die Leute aktiv teilnehmen", und so begann ich, Bilder wie bei einer Radiosendung mit eingesandten Geschichten zu malen, Events zu veranstalten und die Teilnahme auf unterhaltsame Weise zu fördern. Ähnlich wie Wikipedia durch die Kraft der kollektiven Intelligenz weltbester wurde. Ich versuche, Bilder unter Nutzung kollektiver Intelligenz zu malen. Ich nutze die Aktivität in sozialen Medien nicht bloß als Werbemittel, sondern als Teil meines künstlerischen Schaffens. Natürlich gibt es kein Bild, das wirklich von Anfang bis Ende vollständig von den Nutzerinnen und Nutzern bestimmt wurde. Tatsächlich kommen so viele Meinungen zusammen, dass am Ende ich es bin, die die Meinungen sammelt, auswählt und umsetzt.

Eine Frage, die mir früher oft gestellt wurde, war, wie ich zu „Daejak" (im Namen eines anderen ein Werk anfertigen lassen) stehe. Unter jungen Künstlerinnen und Künstlern von heute ist das gar nicht mehr so ein großes Thema. Denn beim Bau großer Installationen gibt es viele Arbeiten, die man allein, selbst ein Leben lang, nicht schaffen könnte, sodass Zusammenarbeit dort ohnehin schon selbstverständlich ist. Ich male meine Bilder natürlich selbst, aber selbst für eine einzige Ausstellung gibt es eigene Rahmer und oft auch eigene Kuratoren. Dann stelle ich umgekehrt die Frage: Warum sollte eine Malerin alles allein machen müssen? Auch in einem Restaurant kocht der Chefkoch nicht alles allein. Er übernimmt eine Art Regie-Rolle. Heute scheint es wichtiger geworden zu sein, wer die Regie führt. Das gilt nicht nur für den koreanischen Kunstmarkt. Auch im Ausland arbeiten viele Künstlerinnen und Künstler auf Basis von Zusammenarbeit.

- In Ihren jüngsten Bildern scheint es neue Veränderungen zu geben.

▶ Stimmt. Die Serie, auf die ich mich zuletzt konzentriere, ist das öffentliche Badehaus! Heutzutage gehen junge Leute selten ins Badehaus, aber das öffentliche Badehaus ist tatsächlich eine wirklich eigenständige koreanische Kultur. Das möchte ich auf schöne Weise darstellen. Wenn ausländische Freunde von mir nach Korea kommen, nehme ich sie unbedingt mit ins Badehaus. Anfangs finden sie das merkwürdig und sind verlegen, mögen es dann aber sehr. Mit dem Gedanken „Warum will unser Land solche eigenständigen Kulturtraditionen so leicht aufgeben?" male ich mit noch mehr Zuneigung. Und alle Naesung-Frauen, die ich bisher gemalt habe, treten immer allein auf. Aber in letzter Zeit füge ich ständig andere Personen hinzu. Und ich gebe der Naesung-Frau einen Gesichtsausdruck – das ist der Punkt, an dem sie sich von klassischer Genremalerei unterscheidet, und in dieser Hinsicht probiere ich maltechnisch zwei neue Dinge aus. Ich male auch nicht nur Bilder, sondern bringe weiterhin verschiedenste Arbeitsformen hervor. Ich werde mich auch in Zukunft immer weiter erneuern. Bleiben Sie dran!

Foto: Reporter Lee Jeong-yeol, dlwjdduf777@ , halee@sportschosun.com