Yonsei-Universität Magazin | ACCESS | CREATIVE CULTURE HYUNJUNG KIM

ACCESS 7-2 Venture

12.05.2020

Creative Culture

Autorin: Jeong Hye-su

PM: Yoo Hyun-da

F: Wenn man Ihre Werke betrachtet, sieht man, dass Sie auf der Grundlage Ihres Selbstporträts wirklich unterschiedlichste Medien für Ihre Arbeiten eingesetzt haben. Neben der grundlegenden Kombination aus Tusch-Lavierung und Collage haben Sie auch mit Fotografie, gemischten Kunststoffmaterialien, 3D-Druck und anderen Techniken gearbeitet. Worin liegt für Sie der besondere Reiz der Tusch-Lavierung, die Sie hauptsächlich verwenden, und gibt es Materialien oder Arbeitsweisen, die Sie in Zukunft neu erproben möchten? Gibt es abgesehen von Ihrer künstlerischen Tätigkeit auch neue Bereiche, für die Sie sich zuletzt interessieren oder die Sie gerne ausprobieren würden?

A: Für die Herstellung meiner Werke verwende ich vor allem die Techniken der Tusch-Lavierung und der Collage. Wenn ich den Reiz der Tusch-Lavierung in einem Satz zusammenfassen müsste, würde ich sagen: die klare, transparente Farbwirkung und die darin enthaltene Philosophie.

Mit ostasiatischer Malerei bezeichnet man in der Regel die Malerei der drei Länder Korea, China und Japan. China verfügt über eine tiefe Tradition der Tuschmalerei, während Japan die Kolorierungstechnik weiterentwickelt hat. Geografisch liegt Korea zwischen China und Japan und wurde daher von beiden Ländern beeinflusst. Deshalb sagen viele Gelehrte, dass die Kombination dieser beiden Techniken die eigentlich koreanische Tradition darstellt.

Zudem heißt es im Osten, dass die Tusche die Unendlichkeit des Universums in sich trägt.

Mit dieser Tusche, die die Unendlichkeit des Universums in sich birgt, stelle ich den Rock des Hanbok dar. Die weite Fläche des Rocks mit Tusche zu malen, ist für mich eine besonders bedeutungsvolle Arbeit. Ich betrachte das Innere des weiten Frauenrocks wie ein Universum voller Geheimnisse, dessen Inneres man nicht kennen kann, und aus dieser Vorstellung schöpfe ich das Bild der Unendlichkeit. Laozi sagt, dass die wahre Gestalt, die die Grenze zwischen Sein und Nichtsein, zwischen Yin und Yang bildet, eben die schwarze Farbe der Tusche sei; dieses „Dunkle“ liege jenseits unserer Erkenntniswelt, und aus ihm könnten wir die Tiefe des Universums erahnen.

So besitzt das Schwarz der Tusche eine unendliche und zugleich geheimnisvolle Ästhetik, worin man den Reiz der ostasiatischen Tusch-Lavierung sehen kann.

Als künftiges Material möchte ich mich der ostasiatischen Malerei mithilfe von AR und VR annähern. Außerdem möchte ich das Social Drawing, das ich schon länger konsequent betreibe und das auf kollektiver Intelligenz beruht, noch aktiver weiterführen.

Social Drawing ist ein Genre, das ich entwickelt habe, damit das Publikum von der Konzeption an unmittelbar am Werk teilnimmt, den Entstehungsprozess mitverfolgt und auch bei der Interpretation mitwirkt, um so ein noch größeres Ergebnis zu erzielen.

F: Sie haben mit der „Naesoong“-Serie großen Erfolg erzielt, und das „Selbstporträt im Hanbok“ hat sich als Ihr Markenzeichen etabliert und erfreut sich großer Beliebtheit beim Publikum. Sie haben über mehrere Jahre hinweg mit dem Selbstporträt gearbeitet – falls Sie beabsichtigen, künftig mit einem neuen Motiv anstelle des Selbstporträts zu arbeiten, was würden Sie gerne malen?

A: Tatsächlich arbeite ich auch mit vielen anderen Motiven jenseits des Selbstporträts. Viele Menschen erinnern sich jedoch vor allem an das Selbstporträt und mögen es besonders. Mein eigenes Abbild als Motiv zu verwenden, ist für mich nur ein Mittel unter vielen und ein Element, das sich jederzeit wandeln kann.

Das Thema, dem ich mich derzeit neu widme, ist die Parodie berühmter Meisterwerke. Ich arbeite an Werken, die bekannte Meisterwerke wie Johannes Vermeers „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“, Jacques-Louis Davids „Napoleon überquert die Alpen“, Edvard Munchs „Der Schrei“, Auguste Rodins „Der Denker“ und Michelangelos „Pietà“ aufgreifen und mit den Themen und Motiven „Ehe“ und „Hanbok“ verbinde. Mit diesem Thema möchte ich vermitteln, warum die junge Generation von heute die Ehe zunehmend meidet.

F: Sie legen großen Wert auf „unternehmerisches Denken als Künstlerin“ und betonen, dass „eine Künstlerin eine Ein-Personen-Unternehmerin sein muss“. Mit welchen Methoden haben Sie in Ihrer Anfangszeit versucht, Ihre Bilder bekannt zu machen, und was war der wirksamste Weg, Ihre Werke bekannt zu machen? Welches konkrete unternehmerische Denken verfolgen Sie heute, und haben Sie einen Rat oder Tipp für jüngere Künstlerinnen und Künstler oder Studierende, für die Sie ein Vorbild sind?

A: Ich denke, ein Werk ist wie das eigene Kind einer Künstlerin. Deshalb verspüre ich als „Elternteil“ stets den Wunsch, wie überaus stolze Eltern mit meinem Kind zu prahlen. Auch Unternehmen betreiben ja kein einheitliches Marketing, sondern wählen je nach Unternehmen und Produkt ganz unterschiedliche Kanäle und Marketingmethoden. Wenn man das wie ein Unternehmen angeht, empfehle ich, nicht nach einer einheitlichen Methode zu suchen, sondern nach dem jeweils passenden Weg für sich selbst.

Ich habe immer versucht, den zu meiner Arbeit passenden Weg zu finden. Online habe ich soziale Medien aktiv genutzt, offline habe ich stets vielfältige Versuche unternommen, um Ausstellungen zu einem unvergesslichen Erlebnis zu machen.

Man sagt, dass man bei einer Kunstmesse die Aufmerksamkeit der Menschen innerhalb von drei Sekunden gewinnen muss. Online, denke ich, muss man sogar innerhalb von 0,1 Sekunden ein Bild schaffen, das die Blicke fesselt. Vielfältige Versuche, das eigene Werk bekannt zu machen, sind wichtig, aber das Wichtigste bleibt das Werk selbst. Ich glaube, dass sich Chancen einstellen, wenn man an der eigenen Substanz arbeitet, und wünsche mir, dass man sich weiter bemüht und sein Bestes gibt.

F: Unser Kulturmagazin ACCESS versteht sich als Plattform für nachhaltige Kultur, weshalb wir gerne nach der Nachhaltigkeit fragen möchten, die Sie mit Ihrer Kunst verfolgen. Inwiefern besitzen Ihre Werke oder Ihre Auffassung von künstlerischer Arbeit eine nachhaltige Dimension?

A: Zunächst einmal hat jedes einzelne meiner Bilder einen eigenen Titel, aber es gibt auch zahlreiche Beinamen, die die gesamte Serie umfassen: „Sittenbild des 21. Jahrhunderts“, „Die Geschichte der Seoulerin“, „Naesoong Story“ und andere.

Am häufigsten habe ich gehört: „Sie ist eine Sittenmalerin wie Kim Hong-do oder Shin Yun-bok, die im 21. Jahrhundert lebt.“

Da es sich um die Geschichten von uns handelt, die wir in der heutigen Zeit leben, können sich viele Betrachterinnen und Betrachter damit identifizieren und bringen ihr Interesse entgegen.

Da man an diesen Werken wie an einem Dokument die jeweilige Zeit ablesen kann, macht es auch später Freude zu beobachten, wie sich die Motive in den Bildern verändern. Ich weiß selbst nicht mehr, wie oft sich das Handymodell in meinen Bildern schon geändert hat. Auch die jeweils angesagten Snacks tauchen dann jeweils im Bild auf. Manchmal male ich auch hübsche Bräuche, die bald verschwinden werden (zum Beispiel Jjimjilbang-Saunen, öffentliche Badehäuser oder die Ham-Brauchtumskultur bei Hochzeiten).

Auch künftig möchte ich die Kultur um uns herum einfangen. Ich denke, dass Werke, die auf diese Weise Kultur festhalten, nachhaltige Werke werden.

F: Zum Abschluss: Gibt es Bücher, Musik, Filme oder andere Inhalte, die Ihre künstlerische Arbeit inspirieren? Wenn ja, stellen Sie sie uns bitte vor und erklären Sie uns die Gründe dafür. (Wird in der neuen Rubrik „Artist Pick“ veröffentlicht.)

A: Ich mag eigentlich alle drei Arten von Inhalten gleichermaßen. Da beim Malen meine Ohren immer offen sind, läuft bei mir Musik. Am Wochenende schaue ich mir, wie ein kleines Geschenk an mich selbst, einen Film an. Und den Tag beende ich mit einem Halbbad und einem Buch. Manchmal lese ich neue Bücher, manchmal auch Bücher, die ich schon einmal gelesen habe, erneut. Beim erneuten Lesen entdecke ich, anders als beim ersten Mal, Inhalte, die mir völlig neu erscheinen. Selbst wenn ich ein Buch drei- oder viermal lese, finde ich manchmal Passagen, die mir wie zum ersten Mal begegnen.

Statt ein einzelnes Buch konzentriert von Anfang bis Ende zu lesen, platziere ich zudem Bücher an verschiedenen Orten, damit ich leicht Zugang zu ihnen habe. Ich lese, weil Bücher auch Wissen enthalten, dem man im Alltag sonst nicht begegnet, und das hilft mir sehr bei meiner Arbeit. Manchmal denke ich sogar, dass ich durch Bücher Dinge lerne, die man in der heutigen Zeit sonst nicht lernen kann.

Ein Buch, das ich gerne vorstellen möchte, ist „Was ist ostasiatische Malerei?“ von Jo Yong-jin. Ich empfehle es, weil unsere eigene Malerei, die „koreanische Malerei“, eigentlich der Inhalt ist, den wir am besten kennen sollten, doch es ist bedauerlich, dass man bei „Kunst“ zuerst an westliche Werke denkt. Viele Menschen halten „ostasiatische Malerei“ für schwer verständlich, aber dieses Buch erklärt sie so, dass man sie leicht verstehen kann.

Nach der Lektüre dieses Buches fühlt sich die ostasiatische Malerei viel näher und zugänglicher an.

Außerdem helfen mir Filme sehr bei der Arbeit an meinen Werken. Ich empfehle Filme mit einer besonders schönen Farbgebung. Mir fallen dabei Titel wie „Little Boy“, „Abbitte“, „Her“, „Loving Vincent“, „Der große Gatsby“ und „Moonrise Kingdom“ ein. Es sind Filme mit warmen Farben und einer gelungenen Mise-en-scène, die mir bei der Arbeit an meinen Werken sehr helfen.

Vielen Dank.