DI Today | Hablar de la Corea de hoy con una pintura de costumbres del siglo XXI: la pintora coreana Kim Hyun Jung

Hablar de la Corea de hoy con una pintura de costumbres del siglo XXI: la pintora coreana Kim Hyun Jung

«La ídolo del mundo de la pintura coreana que abre nuevos horizontes a esta disciplina»: así se la presenta.

En la serie «Historias de Naesoong», donde aparece ella misma comiendo fideos instantáneos o asando panceta en un restaurante, vestida con un hanbok de elegante prestancia, late su confesión: el anhelo de un estado de libertad que se aparte de la mirada ajena y de las ideas convencionales. El Naesoong es la noción coreana que designa el gesto de ocultar los verdaderos sentimientos tras las apariencias.

La razón por la que su obra recibe el cariño de tanto público no era solo su trabajo ingenioso y divertido. Texto: Lee Yoon-jung, periodista, lyj@websmedia.co.kr

Preséntese a los lectores de la revista DI. Hola, soy Kim Hyun Jung, pintora coreana que pinta una pintura de costumbres del siglo XXI en torno al tema de las «Historias de Naesoong». Sueño con un arte que comunique y trabajo todos los días, salvo en el tiempo que dedico a conferencias, entrevistas y exposiciones.

Ha trabajado sin descanso en torno al tema de las «Historias de Naesoong». ¿En qué consiste este trabajo? Mi obra recoge escenas en las que la figura del cuadro vive su día a día sin ser consciente de la mirada ajena y sin guardar ninguna formalidad.

Vestida con un elegante hanbok, en una postura cómoda, come tteokbokki o asa panceta ella sola: imágenes cotidianas y sinceras. Es un trabajo que expresa las muchas caras que tiene el ser humano y, al mismo tiempo, un autorretrato confesional que aspira a un estado de libertad desligado de la mirada y de las ideas convencionales.

¿Hay alguna razón por la que pinte autorretratos? Quería expresar con la pintura mi imagen sincera en la vida cotidiana. Desde la adolescencia fui una alumna muy sensible a la mirada de los demás, y esa mirada llegó a convertirse en el criterio de mi vida. Quería recuperar el yo que se había ido difuminando por estar pendiente de esa mirada y, para encontrar un centro que no se tambaleara ante ninguna mirada, empecé este trabajo como un tiempo de interrogarme sobre «qué clase de persona soy» o «qué clase de persona debo ser».

A diferencia de la pintura coreana tradicional, su técnica y sus temas parecen contemporáneos. Mis cuadros siguen, en lo esencial, la técnica tradicional de color de la pintura oriental. Lo que hago es mantener la técnica y añadirle elementos contemporáneos tomando prestado el collage. La falda semitransparente expresada con el color de la tinta ocupa un lugar central en el tema de mi trabajo: para expresar aquello de «se te ve el interior con toda claridad», tiño papel hanji fino y lo pego en collage. El collage empezó a usarse en el paso del arte moderno al contemporáneo, pero en Corea no se había intentado con estos materiales ni pegando hanji. La idea, en realidad, fue instantánea, pero creo que recoge muy bien la sensación del hanbok, que me encanta, y pienso seguir desarrollándola.

Tanto como su obra, de temas contemporáneos y materia festiva, la propia exposición parece un espacio de juego. Mi última exposición 〈Parque de Atracciones Naesoong〉 no es un simple lugar para contemplar obras, sino un parque donde quien mira disfruta de verdad de su propia afición: «contemplar arte». Un lugar donde el espectador experimenta la pintura y la escultura junto a la artista, crea recuerdos significativos y se lo pasa en grande. Por eso la exposición se dispuso como un parque de atracciones, con actividades y espacios de participación. Quería que el espectador contemplara las obras y disfrutara de la muestra de corazón, compartiendo conmigo la actividad artística.

Era muy distinta de la atmósfera relativamente silenciosa y solemne de los museos convencionales. Quería que el espacio expositivo, en sintonía con el carácter de las obras, fuera un lugar donde las risas no se acabaran nunca. Cada exposición tiene su propio carácter, ¿no? (risas).

El momento en que pinto es el más feliz para mí, y quería que lo fuera también para quien mira, así que lo concebí lo más divertido e ingenioso posible. Deseaba que fuera una exposición para reírse y disfrutar a gusto, aunque solo durante el rato de la visita, en esta sociedad contemporánea tan agobiante.

Detrás de un tema festivo habrá habido desvelos y esfuerzo… Quien no pinta no ve ese proceso de desvelos. ¿No le ha preocupado eso? Cuanto más fácil de leer y de contemplar es una obra, más tiempo de reflexión y más desvelos exige. La verdad es que yo pinto dándole muchísimas vueltas. Pero a veces me entristece ver a visitantes que creen que las obras salen «de golpe». Hay quien, al haberme conocido después de que me hiciera un nombre, lo interpreta como un logro de la promoción y el marketing. Y, sin embargo, he trabajado sin parar sobre un tema que empecé a pensar en 2010 y he pintado cuatro años sin descansar un solo día. Suelo trabajar del modo más regular y estricto posible, con horas de entrada y de salida como en una empresa. Y también trabajo de noche (risas). En la exposición 〈Parque de Atracciones Naesoong〉, las obras me llevaron cinco años y a la concepción de la muestra dediqué unos dos. Lo que pasa es que los medios solo muestran la parte brillante, y da un poco de pena que no se vea el esfuerzo que hay detrás de ese brillo.

Con todo, parece que gusta tanto al público por su comunicación activa con los espectadores. Supongo que gusta porque coincide con el valor de belleza que yo busco y porque son materias universales con las que mucha gente puede identificarse.

También porque les gustan los toques de ingenio que introduzco de forma deliberada.

Hace poco inauguró en el Centro Cultural Coreano en Alemania, en Berlín, la exposición individual 〈Historias de la pintura de costumbres del siglo XXI〉. ¿La respuesta del público extranjero fue tan buena como la del coreano? La doctora Brida Schmidt seleccionó y valoró mi obra, y así pude exponer en Alemania. En la inauguración pude conocer a pintores, galeristas y coleccionistas locales, y participó y me felicitó más gente de la que esperaba. También me entrevistó Bild, un diario alemán influyente que tira más de un millón de ejemplares. Creo que quizá les interesaron el método, las imágenes y las historias que contienen mis obras. La verdad es que, antes de la exposición alemana, estaba muy preocupada. En Estados Unidos bastaba con que llevara el hanbok para que la gente se acercara a pedirme una foto, y temía que en Alemania no hubiera una reacción parecida. Pero, al contrario de lo que temía, les gustó mi imagen con hanbok y también las obras, y se interesaron y me pidieron fotos. Lo mejor de todo fue que, siendo un país de gran tradición literaria, los alemanes escuchaban con seriedad lo que contaba sobre mi trabajo.

Al ver cómo, cuando yo hablaba, lo acogían e intentaban entenderlo, me admiré y pensé: ah, entonces lo que distingue a un país desarrollado de otro que no lo es es tener o no interés por el arte.

Mostrar imágenes contemporáneas con los procedimientos de la pintura coreana tradicional debió de resultarles interesante. Sí, exacto. La mujer de mis obras lleva hanbok, una prenda tradicional, pero la imagen es contemporánea. Creo que esa sensación de contraste les pareció divertida a los extranjeros. Y la historia que encierra la obra es la Corea de hoy, con la que cualquier coreano puede identificarse. La imagen que se tiene de Corea es rígida, pero pienso que con estas obras pude mostrar una Corea nueva, la de ahora.

¿No tuvo dificultades para hacerles entender la cultura coreana contemporánea? Hay elementos que solo se entienden «en Corea», como el hecho de que el ramen sea barato y el café caro. Sí, había cierta diferencia a la hora de asimilar esas situaciones culturales, porque son cosas con las que uno solo se identifica si conoce Corea con precisión. Por eso hacían falta explicaciones adicionales, pero creo que ese proceso resulta eficaz para dar a conocer el país: se da a conocer la «Corea contemporánea». De la tradición hay muchas vías de difusión —la música tradicional, el patrimonio cultural—, pero quienes visitan Corea ahora también tienen curiosidad por la Corea de hoy.

Desde ese punto de vista, ¿qué opina de las posibilidades de una ola coreana en las artes plásticas a través de las exposiciones en el extranjero? Cuando participé en mi primera exposición fuera del país me asaltó una preocupación difusa: «El hanbok resulta ajeno incluso para los coreanos, ¿lo entenderán los extranjeros?». Pero, al comunicarme con el público, vi que Corea como país no les resultaba extraña, quizá porque la ola coreana está de moda. En Insa-dong ocurre lo mismo. Cuando hice la exposición individual vinieron muchísimos extranjeros que disfrutaron de la muestra y llegaron a explicar con gran detalle lo que habían sentido. Puede sonar un poco rancio, pero al ver esto volví a sentir que «lo más coreano es lo más universal».

¿Cuál es, para usted, el encanto propio de la pintura coreana? Siento como un encanto el «vacío» que no existe en la pintura occidental. Yo no considero el vacío un simple espacio en blanco. Los occidentales, poco familiarizados con la poesía, ven el blanco simplemente como algo vacío, pero para construir una composición bien trabada en el conjunto del cuadro dejando ese vacío hay que hacer infinidad de simulaciones, pasar por bocetos y tener siempre en mente la imagen acabada. Como anécdota, yo he llegado a pintar veintidós veces un cuadro de formato 100.

Ahora, sin embargo, se sale de la pintura plana y aparecen métodos muy diversos, como la instalación o la performance. En esa condición del arte contemporáneo en la que todo puede ser arte, ¿hay algún criterio para juzgar qué es arte y qué no? Parece que ahora las fronteras del arte contemporáneo se han disuelto y se admite todo como arte. Una mujer da a luz a un bebé y el bebé vive y se mueve. ¿No es eso arte de la mejor clase (risas)? Entonces todos somos artistas. Aun así, yo tengo mi propio criterio: si, al mencionar un nombre, lo primero que viene a la cabeza es la obra o la cara. Por supuesto, el nombre «Kim Hyun Jung» se ha difundido mucho a través de los medios, pero, cuando se dice «la obra de Kim Hyun Jung», lo primero que debe venir a la mente es el trabajo. Creo que el artista tiene que hablar, en cualquier caso, con su obra: sea pintura plana, escultura o acción.

#Baekseolgram, 139 × 110 cm, tinta y color suave sobre papel hanji, collage

Tenemos curiosidad por sus próximos planes expositivos. Normalmente no me fijo el objetivo de hacer un número determinado de exposiciones individuales, porque no creo que el número importe. Tengo el deseo de mostrar bien las cosas, aunque sea una sola. Montar una exposición no es algo tan simple como colgar cuadros. Quien lo ha hecho sabe que no es así. Hay que pensar en la ubicación de la galería y en el recorrido de las salas, en el espacio expositivo y hasta en el orden de las obras… En realidad, para una exposición de 20 obras hay que pintar más de 40. Yo lo hago así, porque de ese modo el margen de elección sobre qué cuadro colgar es más amplio ante cualquier imprevisto. Como hay tantas cosas de las que ocuparse, uno no deja de dudar hasta poder concebir una exposición hecha como es debido. También me gustaría que quienes sueñan con ser artistas no se propusieran hacer cuanto antes su primera exposición individual.

Sería muy interesante desarrollar proyectos de colaboración aprovechando la «imagen coreana» de su trabajo, ¿no? De hecho, lo he hecho muchas veces. Creo que mi trabajo daría buenas colaboraciones con marcas que quieran dar a conocer lo coreano. Encaja con empresas de cosmética, del sector de los videojuegos o de productos de la ola coreana que, aun teniendo productos competitivos, no pueden asumir la contratación de una figura como imagen. Las «Historias de Naesoong» son la Corea de ahora, tal cual. Estoy segura de que habría una buena sinergia.

Por último, le pedimos unas palabras y algún consejo práctico para los lectores que sueñan con ser pintores coreanos o con emprender por su cuenta como artistas. Quiero hacer un arte que respire con el público y un arte compartido con artistas jóvenes. Mi objetivo último es, ante todo, alcanzar una obra propia como artista, pero junto a ello quiero aportar mi parte para crear una cultura y unas estructuras que permitan que el arte se filtre en la vida diaria, se asiente y se disfrute. Y también me imagino como divulgadora de la cultura tradicional, capaz de explicar de manera accesible la tradición que aparece en nuestro arte.

Portada del perfil. #Baekseolgram, 139 × 110 cm, tinta y color suave sobre papel hanji, collage

Naesoong: Temblor, 67,5 × 60, tinta y color suave sobre papel hanji, collage

Naesoong: El escondite, 63 × 90, tinta y color suave sobre papel hanji, collage

Vivir y morir por la apariencia: viernes de juerga, 138 × 98, tinta y color suave sobre papel hanji, collage

Naesoong: 1 contra 30, 190 × 120, tinta y color suave sobre papel hanji, collage

Autor — Lee Yoon-jung