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ARTIST INTERVIEW

Genrebilder des 21. Jahrhunderts malen

Der Blick der koreanischen Malerin Kim Hyun Jung

Die koreanische Malerin Kim Hyun Jung gilt als junges Ausnahmetalent der koreanischen Malerei (Hanguk-hwa) und wird auch als „Idol“ dieser Kunstrichtung bezeichnet. Mit ihrer Serie „Naesoong“ – einem bekenntnishaften Selbstporträt zu den Themen Blick und gesellschaftliche Konvention – hat sie sich einen Namen gemacht. Das durchgängige Thema ist der „Blick“: Die Künstlerin macht sich selbst zur Hauptfigur ihrer Werke und strebt nach Freiheit von gesellschaftlichen Konventionen. Wir laden Sie ein in die Welt, auf die sich der Blick der Künstlerin richtet.

Redaktion Park Mi-kyung (freiberuflich), Fotograf Kim Bo-ha (The Third Mind), Haare & Make-up Park Su-young, Jeon Mi-young (Rabyutikoa)

Der Moment, in dem ich Kim Hyun Jungs Werkreihe „Naesoong Story“ zum ersten Mal sah, ist mir noch heute lebhaft in Erinnerung. Die raffinierte Farbgebung, die meisterhafte Pinselführung, die unverblümte Botschaft und der gewagte Bruch, der westliche und östliche Techniken miteinander verschmilzt, zogen sofort die Aufmerksamkeit auf sich. Je länger ich die feinfühlige Darstellung des Alltags der „Naesoong-Frau“ betrachtete – der ungebundenen Hauptfigur, die im Hanbok gekleidet im 21. Jahrhundert lebt – desto mehr war ich fasziniert. Das Gesicht der Protagonistin, das an die Linienzeichnungen buddhistischer Malerei aus der Goryeo-Zeit erinnert, und die feine Pinselführung des Hanbok weckten bei mir zudem das Interesse an koreanischer Malerei. Die Künstlerin löst gesellschaftliche Konventionen auf, indem sie humorvoll mit einem anderen Ich in ihren Werken spricht, und bringt die Menschen dazu, die Last des Lebens für einen Moment abzulegen und zu lächeln. Ihren Ursprung vermute ich im Humor und in der Satire der Genremaler unserer Vorfahren.

Kim Hyun Jungs bekenntnishaftes Selbstporträt „Naesoong Story“ fängt eine Frau ein, die in einem eleganten, geheimnisvollen Hanbok lebt. Die Figur wird zunächst nackt dargestellt und erhält dann durch die Kombination von westlicher Collagetechnik und ostasiatischer Tusche- und Farbmalerei einen eigentümlichen Kontrast. Für die Jacke (Jeogori) klebt sie selbst gefärbtes Hanji-Papier auf, um die raschelnde Textur des Hanbok einzufangen, während der Rock mit transparenter Tusche gemalt wird, sodass die Körperlinien durchscheinen – eine Botschaft im Sinne von „man kann direkt hindurchsehen“. Der Hanbok ist zugleich eine Rüstung, die die Künstlerin vor den Blicken anderer schützt.

Kim Hyun Jung, die koreanische Malerin, die anhand von „Naesoong“ Genrebilder des 21. Jahrhunderts malt. Ausgehend von ihrem langjährigen Leitthema „Naesoong“ und dem übergeordneten Begriff des „Blicks“ sprechen wir nun über ihre Inspirationsquellen, ihre Werke zum Thema Ehe, ihre Sicht auf die Ehe sowie ihre künftigen Pläne und Träume. Es folgt das Interview mit der Künstlerin.

Wenn Sie Ihr Selbstporträt als koreanische Malerin Kim Hyun Jung im Jahr 2023 in Hashtags ausdrücken müssten, welche wären das?

#Alltag #Blick #Konvention #GeschichteVonMirUndDir #Wir #Bekenntnis #Ironie #Naesoong

Das sind alles Hashtags, die eng mit der Serie „Naesoong“ verbunden sind. Was bedeutet „Naesoong“ für die Malerin Kim Hyun Jung?

Ich war ein Mensch, der sehr empfindlich auf „Blicke“ reagierte – jemand, der aufgrund der Blicke und Bewertungen anderer nicht frei über alltägliche Gedanken und Handlungen entscheiden konnte. Weil ich nur den Blicken anderer nachjagte, begann ich die Arbeit an „Naesoong Story“ als eine Zeit, in der ich mich selbst frage: „Wer bin ich?“ oder „Wer sollte ich sein?“, um mein verblasstes Selbst wiederzufinden und einen festen Mittelpunkt zu behalten. Seitdem beschäftige ich mich mit den Themen Blick und Konvention und arbeite an meinem Selbstporträt „Naesoong“ als fortlaufende Serie. Das heutige „Naesoong Story“ ist aus dem Streben nach Freiheit von Blick und Konvention entstanden – ein Bild, das wie ein bekenntnishaftes Selbstporträt von mir ist.

Ich denke, Naesoong ist eine Art Lüge – eine Lüge, die man entgegen den eigenen wahren Gefühlen erzählt, weil man jemandem gefallen möchte oder sich um die Blicke anderer sorgt. Hegel bezeichnete das Streben der Menschen nach Anerkennung als „Kampf um Anerkennung“. Ich glaube, Naesoong ist ein instinktives und universelles Phänomen, das bei fast jedem Menschen im Rahmen dieses Kampfes um Anerkennung auftritt. Deshalb empfinde ich Naesoong nicht unbedingt als eine Lüge, die man verabscheuen muss.

Eigentlich ist das Wort, das sich durch alles zieht, „Blick“. Ich habe das Wort „Naesoong“ gewählt, weil ich mir wünschte, dass die Betrachter beim Anblick meiner Werke schmunzeln. Außerdem denke ich, dass Naesoong vielleicht ein typisch koreanisches Gefühl ist. Da Korea auf einer konfuzianischen Kultur basiert, können wir unsere Gefühle nicht vollständig ausdrücken. Bei Ausstellungen im Ausland musste ich „Naesoong“ übersetzen, konnte aber in keinem Land ein wirklich passendes Wort dafür finden.

Seit Ihrer ersten Einzelausstellung „Naesoong Story“ im Jahr 2013 ist „Naesoong“ bis heute Ihr zentrales Thema. Hat sich Ihre Sichtweise darauf im Laufe der Zeit verändert?

Die Serie „Naesoong“ und auch meine übrigen Werke zeigen mein eigenes Ich. Ich wollte den nicht ganz so eleganten Alltag einer jungen Frau im eleganten Hanbok mit Satire und Humor darstellen und damit sagen: „So bin ich – bist du vielleicht auch so?“ Darüber hinaus wollte ich mit der Botschaft der Empathie – „Sollten wir diese Seite nicht auch lieben? Wir können ja gar nicht anders sein“ – die Gesellschaft auf heitere Weise auflockern. Nichts würde mich glücklicher machen, als wenn die Menschen inmitten dieses harten Lebens beim Betrachten meiner Bilder wenigstens für einen Moment denken: „Ach, wie komisch, wie frech!“ Diese meine ganz eigene Wertvorstellung und Sichtweise auf Naesoong hat sich, glaube ich, nicht verändert. Was sich jedoch etwas gewandelt hat, ist die Art und Weise, wie ich meine Werke gestalte.

Welche neuen Ansätze verfolgen Sie in der Gestaltung Ihrer Werke?

Gewöhnlich arbeite ich mit traditionellen Materialien der koreanischen Malerei, doch ich probiere auch verschiedene andere Materialien und Techniken aus – Ölmalerei, 3D-Druck, Papierschnittkunst, iPad-Zeichnungen, Video, Installationen und mehr. Passend zur kontaktlosen Zeit lade ich zudem den Entstehungsprozess meiner Werke auf YouTube hoch. Durch diese vielfältigen Aktivitäten möchte ich als koreanische Malerin in Erinnerung bleiben, die neue Bereiche mit ihrer eigenen Handschrift zu gestalten weiß. Berühmte Maler haben alle eine unverwechselbare Farb- oder Linienführung, die sich einprägt – so bei van Gogh, Gauguin oder Picasso, und unter koreanischen Malern bei Kim Hong-do, Shin Yun-bok sowie Kim Ki-chang, Park Su-geun, Lee Jung-seob und Chun Kyung-ja. Sie alle haben mit ihrem ganz eigenen Stil ihre künstlerische Welt entfaltet. Auch ich möchte eine solche Malerin werden. Wenn jeder beim Anblick eines Bildes sofort sagt: „Ach, das ist ein Bild von Kim Hyun Jung!“, wäre das allein schon Grund zur Freude.

Kim Hyun Jung hat bereits einen ganz eigenen Stil, und man spürt in ihrer hochentwickelten Ausdruckskraft und ihrem feinen ästhetischen Gespür Blut, Schweiß und Tränen. Angesichts des großen Werkumfangs – woher kommt diese Fülle an Inspiration?

In der Anfangszeit sprudelten die Ideen nur so – meine Hände kamen mit dem Tempo meiner Ideen kaum hinterher. Doch eines Tages kam der Moment, in dem mir die Leinwand plötzlich viel zu groß und die Aufgabe unüberwindbar erschien. Von da an habe ich wirklich hart gearbeitet: mehr gelesen, mehr recherchiert. Heute schaue ich viele Nachrichten und beschäftige mich eher mit Musik, Tanz, Theater und anderen Kulturbereichen als mit Ausstellungen. Es ist wichtig, so viel wie möglich zu sehen und nachzudenken. Wenn ich der Natur nahe bin oder meditiere und ein Sitzbad nehme, kommen mir gute Ideen. Am Ende entstehen die Ideen dadurch, dass ich den Alltag aus einer verdrehten Perspektive betrachte.

Durch diese Anstrengung und dieses Studium finde ich in jedem Moment des Alltags Inspiration. Zum Beispiel entstand das Werk „Tuhon“ (Kampfgeist) aus dem Moment, in dem ich, weil ich beim Arbeiten Mahlzeiten ausließ und kurz vor dem Umkippen stand, förmlich kämpferisch einen Hamburger verschlang. Da ich trotz Hungers mitten beim Malen war und mir nicht die Hände mit Fett beschmutzen wollte, stellte ich dar, wie ich Pommes frites mit einem Strohhalm aufspieße und esse. So entnehme ich meine Inspiration dem Alltag und setze sie in meiner Arbeit um. Da ich alltägliche Szenen darstelle, sind Situation und Gegenstände sehr zeitgemäß, während ich bei Technik und Material an der Tradition festhalte. Ich wollte Arbeiten schaffen, die die traditionellen ästhetischen Elemente der ostasiatischen Malerei bewahren und zugleich von den Menschen heute unkompliziert genossen und nachempfunden werden können.

So schade es ist, dass ich nicht alle Werke vorstellen kann – die Serie „Im heiratsfähigen Alter wie ein Eierkarton“ zum Thema Ehe möchte ich unbedingt vorstellen.

Bei der Vorbereitung und Planung der Ausstellung „Im heiratsfähigen Alter wie ein Eierkarton“ habe ich mithilfe von Social Drawing eine Umfrage unter den Menschen durchgeführt. „Social Drawing“ ist ein von mir neu geschaffener Begriff für eine Methode, bei der ein Werk unter Nutzung der kollektiven Intelligenz des Internets entsteht. Ähnlich wie bei einer Radiosendung, die Hörerbriefe einholt, sammle ich über soziale Medien Geschichten und Ideen der Menschen und entwerfe daraus das Werk. Während des gesamten Entstehungsprozesses – von der Konzeption über die Fertigstellung bis hin zur Interpretation – kommuniziere ich aktiv mit dem Publikum und beziehe seine Rückmeldungen ein. Ich möchte einige der interessanten Beispiele vorstellen: △ Man braucht keinen Rückenkratzer mehr. △ Andere fragen nicht mehr „Wann heiratest du?“ – doch nach der Hochzeit fragen sie: „Wann bekommt ihr ein Kind?“ △ Die Hausarbeit verdoppelt sich. △ Man kann Familientarife bei Handyverträgen bündeln – bezahlt die Rechnung aber selbst, verdient sein eigenes Geld und bekommt trotzdem Taschengeld. △ Man bekommt einen Freund fürs Leben, der einem immer nahe ist – muss aber manchmal ständig zusammen sein und kann über lange Zeit nur mit einer einzigen Person Zeit verbringen. △ Das Leben wird stabiler – man wird aber auch gebunden. △ Zu Hause wartet jemand auf einen – heiratet man jedoch, bereut man es; heiratet man nicht, bereut man es noch mehr.

Es hat mich überrascht, dass die Menschen sich über die Ehe positiver äußerten, als ich erwartet hatte. Interessant fand ich, dass genau die Punkte, die Vorteile sind, zugleich zu Nachteilen werden – ein Gegensatz zu dem, was ich in meinen Werken darstelle.

In „Im heiratsfähigen Alter wie ein Eierkarton“ dürfte auch Ihre eigene Sicht auf die Ehe eingeflossen sein. Wie stehen Sie zur Ehe?

„Im heiratsfähigen Alter wie ein Eierkarton“ bringt den Stress und die Situation von Frauen in der heutigen Zeit zum Ausdruck. Da Frauen sich in vielerlei Hinsicht Gedanken über den Karriereknick durch Heirat und Kindererziehung sowie über ihre Weiblichkeit machen müssen, habe ich dies in diesem Werk dargestellt. Es gibt die gesellschaftliche Vorstellung, dass man heiraten muss, „weil man das entsprechende Alter erreicht hat“, und ich fand es merkwürdig, dass ab Ende zwanzig plötzlich die „Zeit“ zum Heiraten gekommen sein soll. Normalerweise arbeite ich nur an Themen, die ich selbst erlebt habe, doch da ich noch unverheiratet bin, war es nicht leicht, über die Ehe zu malen. In letzter Zeit interessiere ich mich jedoch mehr für das Thema und denke beim Entwerfen neuer Werke darüber nach. Ich glaube, die Ehe ist nicht nur die Gründung eines gemeinsamen Haushalts zu zweit, sondern die Begegnung zweier unterschiedlicher Familien. Was mich beschäftigt und beunruhigt, ist der Karriereknick, den Frauen durch die Heirat erleiden. Zudem denke ich, dass die Ehe zwar Stabilität schenkt, aber die Freiheit nimmt, und dass man zwar eine geliebte Familie bekommt, dafür aber das eigene Leben verliert.

Sie sagten einmal, dass der Anteil ostasiatischer Malerei auf Kunstmessen nur 3 Prozent betrage. Bei der Hochzeitskultur scheint es ähnlich zu sein. Was halten Sie von der koreanischen Hochzeitskultur?

In letzter Zeit arbeite ich an Werken, die die koreanische Kultur anhand von drei Schlüsselbegriffen darstellen: „Parodie berühmter Gemälde“, „Hochzeit“ und „Hanbok“.

Eines der Werke, „Hochzeit: Die denkende Braut in spe“, parodiert Auguste Rodins Werk „Der Denker“. Das Papier, das sie in der Hand hält, ist ein Saju-danja. So nennt man das „Ganji“ – ein Schreiben, das nach der Verlobung vom Haus des Bräutigams an das Haus der Braut geschickt wird und die vier Himmelsstämme und Erdzweige von Geburtsjahr, -monat, -tag und -stunde des Bräutigams, sein „Saju“, enthält. Anders als heute, wo man aus Liebe heiratet, war es in der Joseon-Zeit üblich, über eine Heiratsvermittlerin zu heiraten. Da es damals schwierig war, den Charakter des anderen durch persönliches Kennenlernen zu erfassen, beurteilte man die Kompatibilität anhand des Saju von Mann und Frau. So verändert sich die Hochzeitskultur im Lauf der Zeit.

Ein weiteres Werk ist „Hochzeit: Der Tag, an dem die Geschenkkiste ankommt“. Es zeigt eine Person, die eine Geschenkkiste trägt und dabei auf einer Flöte spielt. Im Ablauf der traditionellen Hochzeitszeremonie nennt man die Kiste, in der der Bräutigam das Heiratsschreiben und Geschenke an das Haus der Braut schickt, „Ham“. Sie steht symbolisch für die Freude und den Dank darüber, dass die Ehe zustande gekommen ist. Früher schickte man dafür einen Diener oder eine angeheuerte Person, heute gehen meist Freunde des Bräutigams oder ihm nahestehende Verwandte selbst. Da auch dieser Brauch zunehmend verschwindet, wollte ich ihn unbedingt in einem Werk festhalten. Heutzutage gibt es viele Hochzeiten ohne Trauredner, und es scheint, als befinde man sich gerade an einem Punkt, an dem Korea seinen eigenen, unkonventionellen Stil sucht.

Es ist bedauerlich, dass die traditionelle koreanische Kultur verschwindet, doch wenn Künstler sie in ihren Werken festhalten, werden diese für kommende Generationen zu einem Anknüpfungspunkt, aus dem Altem Neues zu lernen ist – so wie Kim Hyun Jung das Interesse der Öffentlichkeit an koreanischer Malerei geweckt und die Zugangshürde gesenkt hat. Was ist es, das Sie mit Ihrer künstlerischen Arbeit letztlich anstreben?

Als jemand, die koreanische bzw. ostasiatische Malerei betreibt, möchte ich mich noch stärker dafür einsetzen, die koreanische Malerei in die Welt zu tragen. Zunächst würde es mich sehr freuen, wenn durch meine Werke und meine Aktivitäten mehr Menschen Interesse und Freude an koreanischer Malerei und traditioneller koreanischer Kultur finden. Zum anderen möchte ich die einzigartige Schönheit unserer Tuschemalerei, des Hanbok und des Hanji-Papiers selbstbewusst auf die Weltbühne bringen und dort Anerkennung finden. Dafür plane ich, zunächst Werke zu schaffen, die auf „Empathie“ beruhen und die wunden Punkte vieler Menschen berühren, und zugleich fleißig weiterzustudieren, um meine Arbeiten zu untermauern. Welches Thema ich als Nächstes male, halte ich mir weiterhin offen.

Was meine Ausrichtung in der Arbeit betrifft: Ich möchte nicht mit dem Kopf, sondern mit dem Herzen malen. Das bedeutet ehrliche Arbeit. Mein größter Traum als Malerin ist es, über einen sehr langen Zeitraum hinweg an einem Punkt anzukommen, an dem ich noch ehrlicher und noch unmittelbarer aus dem Herzen heraus arbeiten kann. Außerdem möchte ich Kunst schaffen, die in ihrer Zeit lebendig atmet. So wie man beim Betrachten alter Gemälde erst den Zeitgeist verstehen muss, um die Absicht des Malers wirklich zu erfassen, möchte ich Werke schaffen, die den Zeitgeist gut widerspiegeln – Werke, durch die ich mit den Menschen meiner Zeit viele Gefühle und Gedanken teilen kann. Ich glaube, dass eine Arbeit erst dann wirklich vollendet ist, wenn ich nach ihrer Fertigstellung mit dem Publikum in Austausch trete.

Sie machen koreanische Kultur weltweit bekannt – unter anderem eröffneten Sie 2016 im Metropolitan Museum of Art in New York als jüngste Koreanerin überhaupt eine Einzelausstellung. Was sind Ihre künftigen Pläne oder Träume?

Als Malerin, die Geschichten aus dem Leben der Gegenwart darstellt, möchte ich eine „Kulturbotschafterin“ werden, die den Reiz und die Schönheit der koreanischen Malerei einem breiten Publikum bekannt macht. Im Dezember letzten Jahres hatte ich eine Einzelausstellung auf Einladung im US-Kongress in Washington, D.C., wofür ich in koreanischer Malerei dargestellt habe, wie ich im Hanbok Kimchi zubereite (Gimjang). An der Ausstellung nahmen Abgeordnete beider Kammern des US-Kongresses teil, mit denen ich nicht nur über meine Arbeiten, sondern auch über den Reiz der koreanischen Kultur sprach. Wir sprachen darüber, Vorträge zur koreanischen Kultur zu organisieren, und ob sich das umsetzen ließe – daraus ergibt sich nun die Gelegenheit, an amerikanischen Universitäten im Rahmen einer Vortragsreihe meine Bilder vorzustellen und über koreanische Kultur zu sprechen. Ich plane, mich intensiv meiner Kunst zu widmen und aktiv daran zu arbeiten, K-Art und die koreanische Malerei weltweit bekannt zu machen. Ich bitte um viel Aufmerksamkeit und Unterstützung, damit ich mich bemühen kann, eine noch bessere Künstlerin zu werden.

Profil

Koreanische Malerin Kim Hyun Jung

Die koreanische Malerin Kim Hyun Jung studierte ostasiatische Malerei und Betriebswirtschaft an der Seoul National University und absolvierte anschließend ein Promotionsstudium an derselben Universität. Ihre Ausstellung „Naesoong Story“ im Jahr 2013 sorgte für Aufsehen, als alle 13 ausgestellten Werke innerhalb von zwei Tagen verkauft wurden. Ihre Einzelausstellung „Naesoong Fun Park“ im Jahr 2016 verzeichnete mit 67.402 Besuchern die höchste Besucherzahl einer Ausstellung in Korea, und im selben Jahr eröffnete sie im Metropolitan Museum of Art in New York als jüngste Koreanerin überhaupt eine Einzelausstellung. Sie realisierte Kunst-Kollaborationen mit Unternehmen wie Coca-Cola, Woori Card, Hyundai Motor, Lotte, Shinsegae und Kyobo. Derzeit ist sie Werbebotschafterin der Stadt Seoul sowie der Organisation Hope Bridge (Huimang Bridge).