Branding in Asia | Die koreanische Künstlerin Kim Hyun Jung über kreative Trends und die Zusammenarbeit mit Marken

Die südkoreanische Künstlerin Kim Hyun Jung hat sich in der koreanischen Kunstszene einen Namen gemacht, indem sie außerhalb der gewohnten Linien malt, wie Frauen in einer sich rasant wandelnden südkoreanischen Gesellschaft traditionell wahrgenommen werden.

Kims Werk, das Farbe und Papier miteinander verbindet, ist eine fortlaufende Serie von Porträts, die sie Naesoong Nyeo („Naesoong-Mädchen“) nennt – ein Slangausdruck für einen widersprüchlichen Zustand, in dem das traditionelle Äußere eines Menschen nicht unbedingt einen schelmischeren Charakter im Inneren widerspiegelt.

Ihre lebhafte Protagonistin „Coy“ (die Zurückhaltende) trägt einen traditionellen koreanischen Hanbok, unter dem sich oft die Silhouette ihres nackten Körpers abzeichnet, während sie sich fröhlich Verhaltensweisen hingibt, die jenseits der üblichen Normen liegen.

Ob sie auf einem Roller durch die Straßen rast, sich mit Junkfood vollstopft oder in unzähligen anderen Szenarien, in die Kim ihr Motiv versetzt.

Die Arbeiten der talentierten Künstlerin haben auch die Aufmerksamkeit von Marken wie Samsung, Perrier und Coca-Cola auf sich gezogen; Coca-Cola beauftragte Kim mit einer Kampagne zu den Olympischen Spielen, die auch eine Verbeugung vor der südkoreanischen Curling-Frauenmannschaft enthielt, die bei den Olympischen Winterspielen in Pyeongchang Anfang dieses Jahres zu den Lieblingen der internationalen Medien wurde.

Branding in Asia sprach kürzlich mit Kim über ihre Kunst, ihre Arbeit mit Marken und mehr.

Können Sie uns von Ihrem kreativen Prozess erzählen und davon, was Ihre Arbeit inspiriert?

Alle meine Arbeiten laufen darauf hinaus, Selbstporträts zu zeichnen, indem ich in mich hineinschaue, als würde ich Tagebuch schreiben. Dadurch wird jeder Aspekt meines Alltags zur Inspirationsquelle.

Allerdings wird nicht jeder Teil des Lebens zum Thema meiner Arbeit. Wichtig ist es, Ereignisse mit uneinheitlichem oder widersprüchlichem Ausgang als Motive aufzugreifen, an denen sich die Botschaft selbst mit Witz zum Ausdruck bringen lässt.

In letzter Zeit zeichne ich auch, nachdem ich Geschichten im Radio gehört habe, und probiere die „Schwarmintelligenz“ von Netznutzern aus, indem ich mich am „Social Drawing“ versuche.

Ich habe eine ziemlich eigene Arbeitsweise für meine Projekte.

1. Zuerst ist das eigentliche Zeichnen erst möglich, nachdem ich alles, was das Motiv betrifft, selbst erlebt habe. Die Gefühle, die ich in diesem Moment in Echtzeit empfinde, fließen in die Konzeption des Projekts ein.

2. Dann plane ich das Gesamtbild mit interessanten Bewegungen und Kompositionen, die das beabsichtigte Werk am besten ausdrücken. Danach wird die Komposition zweimal fotografiert: Zuerst fotografiere ich die Silhouette der Figur, dann die Figur im Hanbok (dem traditionellen koreanischen Gewand).

3. Auf Hanji (traditionellem koreanischem Papier) skizzieren.

4. Eine Aktskizze der Figur zeichnen.

5. Mit schwarzer Tusche das traditionelle koreanische Gewand zeichnen.

6. Die Farben auftragen.

7. Aus farbigem Hanji eine Collage des Oberteils anfertigen.

Ihre Arbeit für die Coca-Cola-Kampagne während der Olympischen Spiele in Korea wurde von den internationalen Medien gelobt. Wie kam diese Zusammenarbeit zustande?

Kunstkooperationen haben in letzter Zeit die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich gezogen. Auch ich reite auf dieser Welle und übernehme Kunstkooperationsprojekte. Coca-Cola, das für die Olympischen Winterspiele 2018 in Pyeongchang eine Kunst-Marketingstrategie geplant hatte, schlug vor, dass Naesoong Nyeo in traditioneller koreanischer Kleidung an Wintersportarten teilnimmt.

Nach Verhandlungen und Vertragsabschluss umfassten meine Projekte Curling, Shorttrack und Bobfahren. Das Thema des Projekts war, wie Naesoong Nyeo am weltweiten Fest der Olympischen Winterspiele teilnimmt und dabei Coca-Cola genießt.

Wie jedes andere Projekt durchlief auch das Coca-Cola-Projekt in der Vorbereitungsphase zahlreiche Diskussionen und Prüfungen. Am Ende entstanden dabei einige großartige Arbeiten.

Sie haben für mehrere verschiedene Marken gearbeitet. Wie unterscheidet sich der Ansatz aus künstlerischer Sicht von Ihrer eigenen Arbeit?

Mein Traum ist eine Gesellschaft, in der Kunst und Alltag stärker ineinander übergehen.

Da es mir darum ging, ein Umfeld zu schaffen, in dem man Kunst auch außerhalb von Galerien genießen kann, war die Marketingstrategie, Kunst in Zusammenarbeit mit einer Marke über öffentliche Medien auszustellen, sehr reizvoll.

Aus künstlerischer Sicht besteht der wesentliche Unterschied zwischen meinen eigenen Projekten und der Zusammenarbeit mit Marken darin, dass in der Kunst die Bedürfnisse der Unternehmen und nicht meine eigenen ausreichend berücksichtigt werden müssen.

Natürlich möchte man die eigene Handschrift nicht verlieren, daher müssen bei der Einigung (mit der Marke) viele Anpassungen bedacht werden. Durch diesen Prozess ist es jedoch möglich, frische Ideen zu gewinnen, neue Techniken zu lernen und den Reifegrad der Arbeit durch neue Erfahrungen zu steigern.

Ich habe zum Beispiel einige Arbeiten mit dem Koreanischen Pferderennverband gemacht.

Persönlich fällt es mir schwer, ein Pferd zu zeichnen, selbst wenn ich es wollte. Ohne es direkt zu beobachten und zu erleben, ist es nämlich nicht leicht, den richtigen Ausdruck einzufangen. Der Koreanische Pferderennverband ließ mich das Reiten erfahren und die Pferde so lange beobachten, wie ich wollte, sodass ich mich ganz auf das Projekt konzentrieren konnte.

Der Einsatz von bildender Kunst in der Werbung ist selten. Meinen Sie, dass mehr Marken diesen Ansatz in ihren Werbekampagnen übernehmen sollten?

Ein Unternehmen sorgt sich darum, dass seine Produkte die Verbraucher ansprechen. Die täglichen Anzeigen, die den Markt überfluten, setzen auf immer aggressivere Marketingstrategien, beliebtere Models und stärkere Bilder.

Doch da die Verbraucher klüger geworden sind, lassen sie sich von provokanten Anzeigen nicht mehr so leicht fesseln. Statt Eintagsfliegen bevorzugen sie Werbung, die bei ihnen Anklang findet.

Aus Sicht der Kunstkooperation wurden zum Beispiel berühmte Filme digitalisiert oder für die Produktion von Werbung als Vorlage genutzt. Diese Methode zielte darauf ab, das Bewusstsein derjenigen Verbraucher anzusprechen, die die verwendeten Filme kannten. Unter demselben Gesichtspunkt ist die Kunstkooperation ein Beispiel für die Weiterentwicklung solcher Strategien.

Da der Begriff „Artsumer“ in Korea zum Trend geworden ist, wird die Kunstkooperation immer beliebter.

Die Projekte, an denen unser Team in Zusammenarbeit mit Marken arbeitet, werden neu geboren, um die Vorzüge des Produkts mit Hilfe ansprechender Bilder möglichst wirkungsvoll zu zeigen.

Mit der wachsenden Beliebtheit der Kunstkooperation erwarte ich, dass sich für noch mehr Künstler großartige Chancen ergeben werden.

Welche Trends der koreanischen Kreativszene gefallen Ihnen?

Ich bin in den sozialen Medien deshalb aktiv, weil ich im Austausch mit den unterschiedlichsten Menschen immer neue Informationen und Techniken in Erfahrung bringen kann.

Alle sprechen von der Vierten Industriellen Revolution.

Sie bezeichnet den Wandel des industriellen Umfelds, in dem Automatisierung und Vernetzung durch künstliche Intelligenz maximiert werden.

Entsprechend überschwemmen neue Technologien wie KI, AR, VR, 3D und 4D den Markt, um sich die Vierte Industrielle Revolution zu eigen zu machen.

Auch das Feld der Kunst bildet im Zeitalter der Vierten Industriellen Revolution keine Ausnahme.

Außerdem wurde ein Gemälde von Deep Dream, dem KI-Künstler von Google, für 100.000.000 Won verkauft, und das KI-Projekt „Next Rembrandt“ bildete durch Nachahmung den einzigartigen Malstil, die Farben und die Ölmalerei-Textur der Originalwerke nach. Es ist möglich geworden, die Malstile verstorbener Künstler neu zu erschaffen.

Anstatt den Wandel der Zeit zu ignorieren, halte ich es für angemessen, nicht nur Schritt zu halten, sondern einen Schritt voraus zu sein und diese Technologien zu nutzen, um interessante Werke zu schaffen. Das könnte eine Gelegenheit sein, ein neues Feld zu erschließen. Es wäre vergleichbar mit der Videokunst von Nam June Paik.

Es war sehr interessant, digitalisierte alte Gemälde auszustellen, und zufällig hatte ich die Gelegenheit, einen 3D-Druck der zurückhaltenden Frau anzufertigen, was neu war und eine sehr interessante Erfahrung. Alles wird interessant, wenn man Neues ausprobiert und lernt.

Deshalb empfinde ich es als Glück, in Korea geboren zu sein, wo Veränderungen wie auch die Anpassung an Neues sofort geschehen. Die kreativen Bereiche in Korea werden sich auf vielfältige Weise weiterentwickeln, und ich werde versuchen, diese Veränderungen so schnell wie möglich anzunehmen und mich ihnen anzupassen.

Welche Trends mögen Sie nicht?

Wie bereits erwähnt, glaube ich, dass man offen für neue und andere Erfahrungen sein muss. Sollte ein wahrer Künstler nicht eine solche Haltung haben?

Ich neige nicht dazu, mich gegen irgendeinen der angesagten kreativen Bereiche zu sträuben oder ihn abzulehnen.

Auf welche Ihrer Arbeiten der vergangenen Jahre sind Sie am stolzesten?

Jedes Projekt erstreckt sich über etwa sechs Monate, daher bin ich auf jedes einzelne stolz.

So wie Menschen einem Kind einen Geburtsnamen geben, gebe ich meinen Werken Geburtsnamen.

Auch wenn es schwerfällt, ein einzelnes Werk herauszugreifen, hänge ich besonders an einigen der früheren Arbeiten und an solchen, die viel Zeit erforderten. Zum Beispiel war „Acha-Ramyon“ ein Projekt, das der Öffentlichkeit ermöglichte, über Naesoong-Geschichten zu diskutieren.

Und „Coy: You who move me“ war ein Projekt, das im Ausland eine interessante Resonanz fand und eher unter dem Namen McDelivery bekannt wurde.

Obwohl Aschenputtel als Motiv diente, gehört auch „Coy: Big Fish“ zu meinen Favoriten, eine sarkastische Geschichte über Aschenputtel, die von sozialem Aufstieg durch Heirat träumt.

Viel mehr von ihren Werken finden Sie hier: www.kimhyunjung.kr