D.I. Magazine | Mit Genrebildern des 21. Jahrhunderts vom heutigen Korea erzählen

„Das Idol der koreanischen Malerei, das neue Horizonte für die traditionelle Malkunst eröffnet.“ So lautet der Beiname, der die koreanische Malerin Kim Hyun Jung stets begleitet.

In der Serie „Naesoong-Geschichten“ – die sie zeigt, wie sie in elegantem Hanbok Instantnudeln aus dem Becher isst oder in einem Grillrestaurant Schweinebauch brät –

steckt ihr Bekenntnis zur Sehnsucht nach einem Zustand der Freiheit jenseits fremder Blicke und gängiger Vorstellungen.

Der Grund, warum ihre Werke bei so vielen Betrachtern beliebt sind, liegt nicht allein an ihrer witzigen und unterhaltsamen Machart.

Text: Lee Yun-jeong, Reporterin, lyj@websmedia.co.kr

Bitte stellen Sie sich den Lesern des D.I. Magazine vor.

Hallo, ich bin die koreanische Malerin Kim Hyun Jung. Unter dem Thema „Naesoong-Geschichten“ male ich Genrebilder des 21. Jahrhunderts. Ich träume von einer Kunst, die kommuniziert, und arbeite jeden Tag, außer wenn ich Vorträge halte, Interviews gebe oder Ausstellungen betreue.

Sie arbeiten beständig zum Thema „Naesoong-Geschichten“. Worum geht es in dieser Arbeit?

Meine Arbeiten zeigen Figuren, die im Alltag leben, ohne sich um fremde Blicke zu kümmern oder Förmlichkeiten zu wahren. Sie tragen einen eleganten Hanbok und essen in entspannter Haltung Tteokbokki, oder sie braten allein Schweinebauch – ganz alltägliche, ehrliche Szenen. Das ist zugleich ein Ausdruck der vielen Facetten des Menschen und ein bekenntnishaftes Selbstporträt, das nach einem Zustand der Freiheit jenseits von Blicken und Konventionen strebt.

Gibt es einen Grund, warum Sie Selbstporträts malen?

Ich wollte mein ehrliches Alltagsleben in Bildern ausdrücken. Schon als Jugendliche war ich sehr empfindlich gegenüber den Blicken anderer, und dieser Blick wurde sogar zum Maßstab meines Lebens. Weil ich mir dieser Blicke so bewusst war, verblasste mein eigenes Selbst, und ich wollte es wiederfinden. Um einen Mittelpunkt zu finden, der sich von keinem Blick erschüttern lässt, begann ich diese Arbeit als eine Zeit der Selbstbefragung: „Wer bin ich?“ oder „Wer sollte ich sein?“

Im Unterschied zur traditionellen koreanischen Malerei wirken Ihre Ausdrucksweise und Themen sehr modern.

Meine Bilder folgen grundsätzlich der traditionellen Kolorierungstechnik der ostasiatischen Malerei. Ich behalte die Technik bei, füge aber durch Collage moderne Elemente hinzu. Der halbtransparente Rock, in Tuschetönen dargestellt, nimmt einen großen Teil meiner Bildthematik ein. Um „man kann direkt in dein Inneres sehen“ auszudrücken, habe ich dünnes Hanji-Papier gefärbt und dann als Collage aufgebracht.

Collage wurde erstmals beim Übergang von der modernen zur zeitgenössischen Kunst eingesetzt, aber in Korea gab es keine Versuche, Materialien oder Hanji-Papier aufzukleben. Diese Idee kam mir eigentlich spontan, aber da sie das Gefühl des Hanbok, das ich so mag, gut einfängt, möchte ich sie weiterentwickeln.

Ebenso wie Ihre Werke moderne Themen und humorvolle Motive behandeln, wirkt auch die Ausstellung selbst wie ein Spielplatz.

Meine jüngste Ausstellung <Naesoong Freizeitpark> ist kein bloßer Ort zur Werkbetrachtung, sondern ein Spielplatz, auf dem die Besucher ihr eigenes Hobby des „Kunstbetrachtens“ wirklich genießen können. Ein Ort, an dem die Besucher gemeinsam mit der Künstlerin Malerei und Skulptur erleben, bedeutungsvolle Erinnerungen schaffen und sich richtig austoben können. Deshalb habe ich die Ausstellung mit Events und interaktiven Bereichen wie einen Spielplatz gestaltet. Ich wollte, dass die Besucher die Werke betrachten und, indem sie künstlerische Aktivitäten mit mir teilen, die Ausstellung von Herzen genießen.

Das unterscheidet sich doch sehr von der eher ruhigen, feierlichen Atmosphäre klassischer Museen.

Ich wollte, dass auch der Ausstellungsraum, passend zum Charakter meiner Werke, ein Ort ist, an dem das Lachen nie verstummt. Natürlich hat jede Ausstellung ihren eigenen Charakter (lacht). Für mich sind die Momente des Malens die glücklichsten, und ich wünschte mir, dass es den Betrachtern ebenso geht, deshalb habe ich sie so vergnüglich und witzig wie möglich gestaltet. In unserer angespannten modernen Gesellschaft wollte ich, dass die Menschen wenigstens beim Betrachten der Ausstellung herzhaft lachen und sich amüsieren können.

Hinter dem heiteren Thema müssen sich Ihre Mühen und Ihr Ringen verbergen … Wer selbst nicht malt, sieht diesen mühevollen Prozess ja nicht. Hatten Sie deswegen keine Bedenken?

Je leichter ein Werk zu lesen und zu genießen ist, desto mehr Zeit des Nachdenkens und desto mehr Mühe steckt eigentlich dahinter. Tatsächlich male ich meine Werke unter intensivem Nachdenken. Aber manchmal bin ich traurig, wenn ich sehe, dass manche Betrachter glauben, die Werke entstünden einfach „im Handumdrehen“.

Manche meinen sogar, mein Werk sei ihnen erst nach meiner Bekanntheit aufgefallen, und schreiben das dem Erfolg von PR und Marketing zu. Dabei arbeite ich seit 2010 ununterbrochen an diesem Thema, mit dem ich mich beschäftige, und habe vier Jahre lang keinen einzigen Tag pausiert. Ich arbeite möglichst regelmäßig und diszipliniert, mit festen Arbeitszeiten wie in einem Büro – manchmal sogar nachts (lacht). Auch für die Ausstellung <Naesoong Freizeitpark> habe ich fünf Jahre an den Werken gearbeitet und rund zwei Jahre in die Planung investiert. In den Medien wird leider nur die glanzvolle Seite gezeigt, sodass die Mühe hinter dem Glanz oft unsichtbar bleibt – das bedaure ich.

Trotzdem scheinen Sie durch den regen Austausch mit dem Publikum viel Sympathie beim breiten Publikum zu gewinnen.

Ich glaube, das liegt daran, dass die universellen Motive, mit denen sich viele Menschen identifizieren können, meinem eigenen Schönheitsverständnis entsprechen. Die Menschen mögen wohl auch die Witz-Elemente, die ich bewusst inszeniere.

Kürzlich haben Sie im Koreanischen Kulturzentrum in Berlin die Einzelausstellung <Genrebilder-Geschichten des 21. Jahrhunderts> eröffnet. War die Reaktion des ausländischen Publikums ebenso positiv wie die des koreanischen?

Dr. Brida Schmidt hat meine Werke ausgewählt und begutachtet, wodurch die Ausstellung in Deutschland zustande kam. Bei der Eröffnung konnte ich viele lokale Maler, Galeristen und Sammler kennenlernen, und deutlich mehr Menschen als erwartet nahmen teil und gratulierten mir. Ich habe auch ein Interview mit der auflagenstarken deutschen Tageszeitung „Bild“, die über eine Million Exemplare druckt, geführt. Ich vermute, dass man sich für die Machart, die Bildsprache und die Geschichten meiner Werke interessiert hat.

Ehrlich gesagt hatte ich vor der Ausstellung in Deutschland große Bedenken. In den USA kamen Leute schon auf mich zu, um Fotos zu machen, wenn ich nur einen Hanbok trug, aber ich befürchtete, dass die Reaktion in Deutschland nicht so ausfallen würde. Entgegen meiner Sorge mochten die Menschen jedoch meinen Auftritt im Hanbok und die Werke und zeigten Interesse, indem sie um Fotos baten. Am schönsten fand ich, dass die Deutschen als Volk mit einer ausgeprägten literarischen Tradition den Geschichten hinter meiner Arbeit sehr ernsthaft zuhörten. Wie aufmerksam sie meinen Worten folgten und versuchten, sie zu verstehen, beeindruckte mich sehr – ich dachte: „Ach, ob ein Land entwickelt ist oder nicht, entscheidet sich wohl daran, ob es Interesse an Kunst hat.“

Es scheint, als hätte man es interessant gefunden, wie Sie mit traditionellen koreanischen Maltechniken moderne Bilder zeigen.

Ja, genau. Die Frau im Bild trägt den traditionellen Hanbok, doch die Bildsprache ist modern. Ich glaube, gerade dieser Kontrast wirkte auf die ausländischen Besucher amüsant. Und die Geschichte, die meine Werke erzählen, spiegelt das heutige Korea wider, mit dem sich alle Koreaner identifizieren können. Das Korea-Bild im Ausland ist oft starr und festgefahren, aber ich denke, durch diese Werke konnte ich ein neues, zeitgemäßes Korea zeigen.

Gab es Schwierigkeiten dabei, ihnen die zeitgenössische koreanische Kultur zu vermitteln?

Es gibt Dinge, die man nur „in Korea“ versteht, etwa die Tatsache, dass Ramen billig, Kaffee aber teuer ist. Solche kulturellen Zusammenhänge nachzuvollziehen, fiel unterschiedlich schwer. Denn man kann sie nur wirklich verstehen, wenn man Korea genau kennt. Deshalb brauchte es zusätzliche Erklärungen, aber ich denke, gerade dieser Prozess trägt letztlich wirkungsvoll dazu bei, Korea bekannt zu machen – nämlich das „moderne Korea“. Für die Tradition gibt es viele Kanäle wie koreanische Musik oder Kulturgüter, aber Besucher, die heute nach Korea kommen, sind oft auch neugierig auf das zeitgenössische Korea.

Wie schätzen Sie unter diesem Gesichtspunkt die Möglichkeiten einer „Hallyu der Kunst“ durch Auslandsausstellungen ein?

Bei meiner ersten Auslandsausstellung hatte ich die vage Sorge: „Selbst Koreanern ist der Hanbok fremd geworden – werden Ausländer ihn überhaupt verstehen?“ Aber im Austausch mit dem Publikum merkte ich, dass ihnen Korea als Land dank der aktuellen Hallyu-Welle gar nicht mehr fremd war. Dasselbe gilt für Insadong. Als ich dort eine Einzelausstellung eröffnete, kamen wirklich viele Ausländer, die meine Ausstellung mit Freude betrachteten und sogar sehr ausführlich beschrieben, was sie dabei empfanden. Es klingt vielleicht etwas abgedroschen, aber dabei wurde mir erneut bewusst: „Das Koreanischste ist zugleich das Universellste.“

Gibt es einen Reiz, den nur die koreanische Malerei Ihrer Meinung nach besitzt?

Der Reiz liegt für mich in der „Leere“, dem Yeobaek, den es in der westlichen Malerei nicht gibt. Ich betrachte diese Leere nicht einfach als leeren Raum. Westler, die mit dieser Bildsprache nicht vertraut sind, halten den weißen leeren Raum schlicht für unbeschrieben, aber um trotz dieser Leere eine stimmige Gesamtkomposition zu schaffen, muss man unzählige Simulationen durchführen, Skizzen anfertigen und sich stets das fertige Bild vor Augen halten. Nebenbei bemerkt: Ich habe ein Bild im Format Nr. 100 schon zweiundzwanzigmal gemalt.

Aber heute gibt es doch, jenseits der Flächenmalerei, vielfältige Arbeitsweisen wie Installation und Performance – gibt es in dieser Eigenart der zeitgenössischen Kunst, in der alles zu Kunst werden kann, ein Kriterium, um zu beurteilen, was Kunst ist und was nicht?

#Baekseolgeuram, 139 x 110 cm, Tuschmalerei mit leichter Farbe auf Hanji-Papier, Collage

Heute scheinen die Grenzen der zeitgenössischen Kunst zu verschwimmen, sodass alles als Kunst gelten kann. Man bekommt ein Baby, und das Baby lebt und bewegt sich – ist das nicht die größte Kunst überhaupt (lacht)? Dann wären wir doch alle Künstler.

Trotzdem habe ich mein eigenes Kriterium: Wenn mein Name fällt, kommt einem zuerst das Werk in den Sinn oder zuerst das Gesicht? Natürlich habe ich den Namen „Kim Hyun Jung“ über viele Medien bekannt gemacht, aber wenn man von „Kim Hyun Jungs Arbeit“ spricht, sollte einem zuerst die Arbeit einfallen. Ich glaube, eine Künstlerin sollte letztlich durch ihre Werke sprechen – ob Flächenmalerei, Skulptur oder Performance.

Wir sind gespannt auf Ihre künftigen Ausstellungspläne.

Ich setze mir normalerweise kein Ziel wie „so und so viele Einzelausstellungen“. Ich glaube, die Anzahl der Ausstellungen ist nicht wichtig. Selbst wenn ich nur eine mache, möchte ich sie richtig zeigen. Eine Ausstellung zu eröffnen ist keine einfache Sache, bei der man nur Bilder aufhängt – wer es selbst erlebt hat, weiß das. Man muss die Lage der Galerie und die Wegführung der Stände bedenken, den Ausstellungsraum und sogar die Reihenfolge der Werke … Wenn eine Ausstellung 20 Werke zeigen soll, muss man eigentlich über 40 malen. Auch ich mache das so, damit ich je nach den Umständen eine größere Auswahl habe, welche Bilder ich aufhänge. Weil es so viel zu bedenken gibt, zögere ich immer wieder, bevor ich eine wirklich gelungene Ausstellung plane. Ich hoffe, auch angehende Künstler setzen sich nicht das Ziel, möglichst schnell ihre erste Einzelausstellung zu haben.

Es wäre doch sicher reizvoll, mit dem „koreanischen Image“ Ihrer Arbeit Kollaborationsprojekte umzusetzen?

Tatsächlich habe ich das schon oft erlebt. Ich glaube, meine Arbeit eignet sich besonders gut für Kollaborationen mit Marken, die koreanische Werte vermitteln möchten. Sie passt zu Unternehmen wie Kosmetikherstellern, der Spielebranche oder Hallyu-Produkten, die zwar wettbewerbsfähige Produkte haben, aber davor zurückschrecken, ein einzelnes Model zu engagieren. „Naesoong-Geschichten“ ist ja das heutige Korea selbst. Ich bin überzeugt, dass sich daraus eine gute Synergie ergeben würde.

Abschließend: Welche Worte und welchen praktischen Rat möchten Sie Lesern mit auf den Weg geben, die davon träumen, koreanische Malerin oder Maler zu werden oder sich als Künstler selbstständig zu machen?

Ich möchte Kunst machen, die mit dem Publikum atmet, und Kunst, die junge Künstler mit einbezieht. Mein letztendliches Ziel ist es, mich zunächst als Künstlerin zu etablieren, aber daneben möchte ich auch dazu beitragen, eine Kultur und Struktur zu schaffen, in der Kunst tief im Alltag verankert ist und genossen werden kann. Und ich stelle mir vor, auch als eine Art Botschafterin der traditionellen Kultur zu wirken, die die in unserer Kunst enthaltene Tradition dem breiten Publikum verständlich vermittelt.

Profil

Titelbild. #Baekseolgeuram, 139 x 110 cm, Tuschmalerei mit leichter Farbe auf Hanji-Papier, Collage

Name. Kim Hyun Jung

Ort. Seoul

E-Mail. artistjunga@kimhyunjung.kr

Im Uhrzeigersinn

Naesoong: Zittern, 67,5 x 60, Tuschmalerei mit leichter Farbe auf Hanji-Papier, Collage

Naesoong: Verstecken, 63 x 90, Tuschmalerei mit leichter Farbe auf Hanji-Papier, Collage

Pomsaengpomsa: Freitagabend, 138 x 98, Tuschmalerei mit leichter Farbe auf Hanji-Papier, Collage

Naesoong: Eine gegen dreißig, 190 x 120, Tuschmalerei mit leichter Farbe auf Hanji-Papier, Collage