Le hanbok, notre habit que l’on aimerait porter | Le hanbok, « enveloppe sociale » dans l’art contemporain coréen

Communiquer largement à travers le hanbok [風] — vu par le regard d'artistes contemporains

On peut considérer que les œuvres intégrant activement des motifs traditionnels considérés comme spécifiquement coréens — depuis des formes artistiques anciennes telles que la peinture populaire (minhwa), la peinture de mœurs ou le portrait traditionnel, jusqu'au hanbok, aux cinq couleurs traditionnelles (obangsaek) ou au hanji — constituent l'un des grands courants apparus chez les jeunes artistes depuis les années 2000.

Auteure Seo Jung Ihm (chroniqueuse d'art)

Bien sûr, cette tendance n'était pas totalement absente par le passé, mais ces jeunes artistes s'efforcent surtout de transposer dans leur propre univers pictural le style figé de la peinture traditionnelle — en y greffant leur histoire personnelle sur des récits artistiques traditionnels, ou en y insérant des icônes populaires contemporaines —, afin de capter la contemporanéité à travers de nouveaux regards et des médiums variés. Par ailleurs, ils mènent des démarches singulières, cherchant, avec une posture proche de celle du chercheur, à révéler le sens caché de notions établies de longue date, afin de porter sur l'art — longtemps envisagé à travers le seul système de pensée occidental — un regard véritablement coréen et autonome.

Dans ce courant, le hanbok, icône par excellence de l'identité coréenne, est apparu à certains artistes comme un motif extrêmement séduisant. Le costume traditionnel d'un pays est généralement une « enveloppe sociale » porteuse du sens social et de la culture de son époque, mais aussi une « trace de vie sociale » qui évoque le parfum de vie et l'existence même d'un individu. En ce sens, le hanbok, imprégné des pensées, coutumes, gestes, formes et savoir-faire nés sur le sol coréen, est un médium où s'exprime fortement une sensibilité esthétique coréenne fondée sur une personnalité et un esprit empreints de retenue, faisant de la modération, de l'humilité et de la patience des vertus, ainsi que sur l'attention et le respect d'autrui. Les artistes qui font du hanbok le motif central de leurs œuvres n'ont pas non plus négligé cet aspect. Plutôt que de s'attacher uniquement à la beauté plastique du hanbok — ses lignes et ses formes traditionnelles —, ils cherchent, sous des angles variés, à éclairer les pensées, pratiques et comportements transmis du passé jusqu'à aujourd'hui, afin d'élargir les possibilités d'interprétation de ces signes que l'on appelle « coréanité ».

La première artiste à faire du costume traditionnel coréen le motif central de son œuvre est Jeong Myeong-jo, qui dépeint avec une extrême minutie le « dos » de femmes strictement vêtues des costumes traditionnels somptueux et colorés de l'époque Joseon. Depuis 2000, elle présente de façon constante des femmes en hanbok comme incarnation de la beauté. Les tenues qu'elle peint sont celles de femmes de l'époque Joseon — une reine vêtue d'une robe ornée de motifs de phénix, une gisaeng chaussée de souliers roses — parées de soies élégantes et coiffées de chevelures postiches ornées de bijoux en émail cloisonné. Plutôt que des vêtements modernisés, l'artiste fait porter à ses modèles des tenues fidèles aux données historiques, les photographie, agrandit ensuite les clichés et les transpose grandeur nature sur la toile, en restituant de manière aussi réaliste que possible les motifs des costumes royaux de Joseon, ainsi que la forme, la couleur et la texture des habits de mariage. Son intention n'est pas d'introduire sa propre interprétation ou une quelconque transformation dans le costume traditionnel, mais de ne pas altérer, ne serait-ce qu'un peu, la beauté propre à l'original.

Selon l'artiste, cette reconstitution presque obsessionnelle du passé s'explique par le désir de « faire revivre une beauté du passé qui s'efface peu à peu dans une société moderne dominée par la civilisation mécanique, tout en exprimant intérieurement le besoin de nous retourner sur nous-mêmes ». Au-delà de cet élément réaliste, ce qui rend le travail de Jeong Myeong-jo si singulier, c'est avant tout le fait qu'elle ne peigne que le dos des femmes, ainsi que ce fond noir, conçu comme un espace psychique empreint d'anxiété intérieure et d'un fort désir de s'affirmer, en contraste avec la somptuosité des costumes. Comme l'artiste peint toujours des portraits sans visage, tournés de dos sur la toile, on ne peut deviner leur statut social qu'à travers leurs vêtements et leurs bijoux. C'est là l'intention de l'artiste : ne faire prendre conscience que du fait qu'il s'agit de femmes, tout en concentrant l'attention sur la beauté formelle des couleurs et des motifs, un procédé qui pousse à l'extrême l'anonymat et l'intériorité de ses sujets.

Il existe aussi une artiste qui, d'une manière proche de celle de Jeong Myeong-jo, restitue le hanbok de façon réaliste à partir d'images photographiques, tout en abordant le vêtement lui-même comme la vie entière d'une personne — de la naissance au mariage, en passant par la maternité, jusqu'à la mort. C'est « Lee Jin », qui prend pour sujet principal les costumes de Damyeon Lee Hye-sun, laquelle confectionne depuis des décennies des hanbok à partir de tissus anciens, au terme d'une recherche et d'une documentation historiques incessantes, et projette sur la toile son propre regard. L'artiste ne s'arrête pas au passé : elle explore la manière dont le hanbok traditionnel est utilisé aujourd'hui, cherchant ainsi, en définitive, à sonder le contexte social qui imposait aux femmes de notre histoire une longue patience, une longue attente et une élégance contrainte. Autrement dit, elle interprète le hanbok comme un dispositif social symbolisant la vie difficile des femmes d'autrefois.

Il existe aussi une artiste qui reprend la forme de la peinture de mœurs, tout en y intégrant des objets modernes et son propre quotidien en hanbok, développés à la manière d'un journal intime. « Shin Seon-mi », qui reste fidèle aux techniques traditionnelles de mise en couleur tout en construisant des scènes pleines d'humour selon une structure de récit enchassé, se met elle-même en scène, élégamment vêtue d'un hanbok, pour transmettre avec familiarité son quotidien et son monde intérieur. Fascinée depuis l'enfance par le hanbok et passionnée par les couleurs et motifs qu'il porte, elle emprunte non seulement des costumes féminins fidèles à l'époque Joseon, mais cherche aussi, à travers eux, à représenter sur la toile les costumes féminins et la culture des appartements des femmes des trois pays d'Asie de l'Est. Ce qui est notable dans ses œuvres, c'est cette construction en récit enchassé. Par exemple, l'image d'ensemble semble figer l'instant d'une femme penchée pour attraper un chat, tandis que celui-ci laisse tomber un oreiller comme en réponse ; mais ce moment vient en réalité mettre de l'ordre dans une scène antérieure chaotique, où la femme avait jeté par terre la bande dessinée qu'elle était en train de lire. L'artiste convoque ainsi, dans le contexte présent, cette femme d'autrefois (elle-même) vivant élégamment vêtue d'un hanbok, et fait de ce retournement son motif central : en apparence digne et raffinée, sa dignité est mise à mal par de petits doubles inattendus révélant ses désirs intérieurs — un procédé qui suscite l'humour.

« Kim Hyun Jung » est elle aussi une artiste qui se met en scène, vêtue d'un hanbok, pour transmettre par des gestes provocateurs la sensibilité éprouvée au quotidien. Dans la série d'œuvres regroupées sous le nom de « Naesoong », le hanbok qu'elle choisit se compose de vestes jeogori aux couleurs vives et chatoyantes, de chaussures traditionnelles transformées en talons hauts, et de jupes laissant deviner la peau en transparence. La femme ainsi vêtue écoute de la musique avec des écouteurs tout en s'entraînant sur des équipements sportifs d'un parc de quartier, se réconfortant elle-même d'un « Bon travail, encore aujourd'hui », joue au billard américain en s'exclamant « Le style avant tout », ou fait du roller ou du skateboard en clamant avec assurance « Je suis la meilleure » — dépeignant ainsi, sans filtre, la complexité intérieure d'une jeune femme dans la vingtaine : son désarroi et sa peur face à la vie, mais aussi, entre les deux, des moments de joie et de plaisir. Ce faisant, elle cherche, à travers des tenues et des attitudes provocantes, à briser sans ménagement l'idée reçue — figée à l'époque moderne et acceptée inconsciemment comme allant de soi — selon laquelle porter le hanbok impose élégance et retenue dans le comportement comme dans l'attitude, révélant ainsi de façon métaphorique l'environnement social qui a tacitement contraint les femmes.

De telles œuvres invitent à réinterpréter la grammaire du hanbok — réduite en Occident à de simples lignes et couleurs — comme une esthétique propre, enracinée dans la spiritualité de la tradition, et en font un miroir à travers lequel observer la société et la culture qu'a connues le sol coréen.