Der Hanbok, unsere Kleidung, die wir gerne tragen | Der Hanbok als „soziale Hülle“ in der koreanischen Gegenwartskunst

Weitreichende Kommunikation durch den Hanbok [風] – mit den Augen zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler betrachtet

Werke, die traditionelle Motive – von älteren Kunstformen wie Minhwa (Volksmalerei), Sittenmalerei und traditionellen Porträts bis hin zu Hanbok, den fünf traditionellen Farben Obangsaek und Hanji – als genuin koreanisch aktiv aufgreifen, lassen sich als eine der großen Strömungen bezeichnen, die seit den 2000er-Jahren unter jungen Künstlerinnen und Künstlern zu beobachten sind.

Autorin Seo Jung Ihm (Kunstkolumnistin)

Natürlich gab es solche Tendenzen auch schon früher, doch diese jüngeren Künstlerinnen und Künstler bemühen sich vor allem darum, den in der traditionellen Malerei festgeschriebenen Stil in ihre eigene Bildwelt zu übertragen – etwa indem sie persönliche Geschichten mit traditionellen künstlerischen Erzählungen verweben oder populäre zeitgenössische Symbole einfügen –, um mit neuen Sichtweisen und vielfältigen Medien Gegenwärtigkeit einzufangen. Zugleich unternehmen sie ungewöhnliche Versuche, gleichsam wie Forscherinnen und Forscher die verborgene Bedeutung lange feststehender Begriffe aufzudecken, um Kunst, die bislang nur durch das westliche Erkenntnissystem betrachtet wurde, aus unserer eigenen, souveränen Perspektive zu sehen.

In diesem Zusammenhang wurde der Hanbok, das Symbol schlechthin für koreanische Identität, für einige Künstlerinnen und Künstler zu einem äußerst reizvollen Motiv. Die traditionelle Tracht eines Landes ist im Allgemeinen eine „soziale Hülle“, die die gesellschaftliche Bedeutung und Kultur ihrer Zeit in sich trägt, zugleich aber auch eine „Spur sozialen Lebens“, die den Lebensduft und die Existenz eines einzelnen Menschen wachruft. In diesem Sinne ist der Hanbok, der Gedanken, Bräuche, Handlungen, Formen und Techniken in sich trägt, die aus dem koreanischen Kulturraum erwachsen sind, ein Medium, in dem sich ein koreanisches Schönheitsempfinden stark ausdrückt – geprägt von einem zurückhaltenden, bescheidenen Wesen und Geist, der Zurückhaltung, Bescheidenheit und Geduld als Tugenden versteht, sowie von Rücksichtnahme und Respekt. Auch die Künstlerinnen und Künstler, die den Hanbok als zentrales Motiv ihrer Werke einsetzen, haben dies keineswegs übersehen. Sie beschränken sich nicht nur auf die formale Schönheit des Hanbok – seine traditionellen Linien und Formen –, sondern beleuchten aus verschiedenen Blickwinkeln die Gedanken, Gepflogenheiten und Verhaltensweisen, die von der Vergangenheit bis in die Gegenwart überliefert wurden, und versuchen so, die Deutungsmöglichkeiten dessen, was man „koreanische Identität“ nennt, zu erweitern.

Die erste Künstlerin, die die genuin koreanische Tracht zum zentralen Motiv ihrer Werke macht, ist Jeong Myeong-jo, die minutiös den „Rücken“ von Frauen darstellt, die streng nach Vorschrift in die prächtigen, farbenfrohen traditionellen Trachten der Joseon-Zeit gekleidet sind. Seit dem Jahr 2000 zeigt sie in konsistenter Weise Frauen im Hanbok als Sinnbild der Schönheit. Die Kleidung, die sie malt, gehört Frauen der Joseon-Zeit – etwa einer Königin in einem mit Phönixmotiven verzierten Gewand oder einer Gisaeng in rosa Schuhen –, gehüllt in elegante Seide, mit kunstvollem Schmuck in ihrer aufwendigen Frisur. Statt modern abgewandelter Kleidung lässt die Künstlerin ihre Modelle in historisch exakt recherchierten Trachten fotografieren, vergrößert die Aufnahmen anschließend und überträgt sie lebensgroß auf die Leinwand – so originalgetreu wie möglich, bis hin zu den Mustern der königlichen Trachten der Joseon-Zeit, den Formen, Farben und der Textur der Hochzeitskleidung. Ihre Absicht ist es, nicht die eigene Interpretation oder Abwandlung in die traditionelle Kleidung einfließen zu lassen, sondern die dem Original innewohnende Schönheit nicht im Geringsten zu beschädigen.

Nach Angaben der Künstlerin liegt der Grund für dieses geradezu zwanghafte Nachbilden der Vergangenheit darin, dass es sich um „die Wiedergabe einer im maschinengetriebenen Zivilisationszeitalter zunehmend vergessenen Schönheit der Vergangenheit und zugleich um einen inneren Ausdruck der Selbstbesinnung“ handele. Neben diesem realistischen Element liegt das Eigentümliche an Jeong Myeong-jos Werk vor allem darin, dass sie ausschließlich den Rücken der Frauen malt, sowie in dem schwarzen Hintergrund, der im Kontrast zu den prächtigen Gewändern als ein von innerer Unruhe und dem starken Wunsch nach Selbstoffenbarung geprägter seelischer Raum angelegt ist. Da die Künstlerin auf der Leinwand stets gesichtslose, abgewandte Porträts malt, lässt sich der gesellschaftliche Stand der Frauen nur anhand ihrer Kleidung und ihres Schmucks erahnen. Dies entspricht der Absicht der Künstlerin, allein die Tatsache bewusst zu machen, dass es sich um Frauen handelt, und ist zugleich ein Mittel, um die Aufmerksamkeit auf die in Farben und Mustern zum Ausdruck kommende Formschönheit zu lenken und die Anonymität und Innerlichkeit der dargestellten Wesen zu maximieren.

Es gibt auch eine Künstlerin, die auf ähnliche Weise wie Jeong Myeong-jo mithilfe fotografischer Bilder den Hanbok realistisch wiedergibt, dabei aber die Kleidung selbst als das ganze Leben eines Menschen begreift – von der Geburt über die Hochzeit und die Geburt eigener Kinder bis zum Tod. Es handelt sich um „Lee Jin“, die die Trachten von Damyeon Lee Hye-sun, die seit Jahrzehnten aus altem Stoff und mit unermüdlicher historischer Recherche Hanbok anfertigt, zum zentralen Gegenstand nimmt und ihre eigene Sichtweise auf die Leinwand überträgt. Die Künstlerin bleibt nicht in der Vergangenheit stehen, sondern erforscht, wie der traditionelle Hanbok in der Gegenwart verwendet wird, und versucht dadurch letztlich, den gesellschaftlichen Hintergrund zu beleuchten, in dem Frauen unserer Geschichte zu langer Geduld, langem Warten und erzwungener Zurückhaltung gezwungen waren. Mit anderen Worten: Sie deutet den Hanbok als gesellschaftliches Zeichen, das symbolisch für das entbehrungsreiche Leben der Frauen früherer Zeiten steht.

Es gibt auch eine Künstlerin, die die Form der Sittenmalerei aufgreift, darin aber moderne Gegenstände und ihren eigenen Alltag im Hanbok einbindet und dies wie ein Tagebuch entfaltet. „Shin Seon-mi“, die den traditionellen Kolorierungstechniken treu bleibt, aber ihre Bildflächen in Form einer Rahmenerzählung mit reichlich Humor gestaltet, lässt sich selbst, elegant im Hanbok gekleidet, auftreten und vermittelt so vertraut ihren kleinen Alltag und ihr Innenleben. Die Künstlerin, die seit ihrer Kindheit vom Hanbok fasziniert war und sich stark für die darin enthaltenen Farben und Muster interessierte, übernimmt nicht nur historisch getreue Trachten von Frauen der Joseon-Zeit, sondern versucht darüber hinaus, die Frauentracht und die Kammerfrauenkultur der drei ostasiatischen Länder auf der Leinwand einzufangen. Bemerkenswert an ihren Werken ist, dass die Bilder eine Rahmenerzählung bilden. So zeigt das Gesamtbild etwa eine Frau, die sich vornuber beugt, um eine Katze zu fangen, während die Katze wie eine Antwort ein Kissen herabwirft – doch dieses Momentbild ordnet zugleich die zuvor chaotische Szene, in der die Frau ein Comicheft, das sie gerade gelesen hatte, achtlos zu Boden geworfen hatte. Auf diese Weise holt die Künstlerin die Frau von einst (sich selbst), die elegant im Hanbok gekleidet ihren Alltag lebt, in die Gegenwart und nutzt als zentrales Motiv eine ironische Umkehrung: Elegant und würdevoll wirkend, wird ihre Würde durch überraschende kleine Alter Egos, die ihre inneren Bedürfnisse offenbaren, unterlaufen – ein Kunstgriff, der Humor erzeugt.

Auch „Kim Hyun Jung“ lässt sich selbst als Frau im Hanbok auftreten und vermittelt so mit provokativen Gesten die im Alltag empfundene Sensibilität. In der als „Naesoong“ zusammengefassten Werkreihe wählt sie einen Hanbok mit bunten, leuchtenden Jeogori-Jacken, traditionellen Blumenschuhen, die sich in High Heels verwandeln, und Röcken, unter denen die Haut deutlich durchscheint. Die so gekleidete Frau hört mit Kopfhörern Musik, während sie an Sportgeräten in einem öffentlichen Park trainiert und sich mit den Worten „Gut gemacht, auch heute wieder“ selbst tröstet, sie ruft beim Poolbillard „Style ist alles“ und posiert prahlend beim Inlineskaten oder Boarden mit „Ich bin die Beste“ – so zeichnet die Künstlerin ungefiltert das komplexe Innenleben einer Frau in ihren Zwanzigern nach, samt der Ratlosigkeit und Angst vor dem Leben, aber auch der Momente von Freude und Vergnügen dazwischen. Zugleich versucht sie, mit unkonventionellen Kostümen und Handlungen schonungslos die gängige, in der Moderne verfestigte und unbewusst als selbstverständlich hingenommene Vorstellung zu durchbrechen, dass man im Hanbok stets vornehm sein und sich in Verhalten und Haltung zurückhalten müsse, und dadurch metaphorisch das gesellschaftliche Umfeld offenzulegen, das Frauen stillschweigend reglementiert hat.

Solche Werke lassen uns die Formsprache des Hanbok, die im Westen oft nur auf Linie und Farbe reduziert wurde, als eine eigenständige, in der Geistigkeit der Tradition verwurzelte Ästhetik neu deuten, und sie machen sie zu einem Spiegel, durch den sich die Gesellschaft und Kultur betrachten lassen, die der koreanische Boden im Laufe der Zeit hervorgebracht hat.