La ropa coreana que queremos llevar: el hanbok | El hanbok, «envoltura social» pintada en el arte contemporáneo coreano

Comunicar ampliamente a través del hanbok [風] _ Visto con los ojos de artistas contemporáneos

Las obras que incorporan de manera decidida motivos considerados propiamente coreanos —desde formas artísticas del pasado como la pintura popular minhwa, la pintura de costumbres o el retrato tradicional, hasta el hanbok, los cinco colores obangsaek o el papel hanji— constituyen una de las grandes corrientes surgidas entre los artistas jóvenes desde los años dos mil.

Autora: Seo Jung Ihm (columnista de arte)

No es que esa tendencia no existiera antes, por supuesto, pero estos artistas se esfuerzan sobre todo por atraer hacia su propio universo pictórico los estilos fijados por la pintura tradicional —injertando su historia personal en los relatos del arte antiguo o insertando iconos populares contemporáneos— y por plasmar la contemporaneidad con una mirada nueva y medios diversos. Al mismo tiempo realizan tentativas singulares: para mirar con criterio propio un arte contemplado durante mucho tiempo solo desde los marcos de percepción occidentales, se aplican con actitud de investigadores a desvelar los significados ocultos de lo que llevaba siglos definido.

En esa corriente, el hanbok, icono por excelencia de lo coreano, se ha convertido para algunos artistas en un material enormemente atractivo. Por lo general, el traje tradicional de un país es una «envoltura social» que contiene el significado y la cultura de su tiempo y, a la vez, una «huella de la vida social» que evoca el aroma y la existencia de una persona concreta. En ese sentido, el hanbok, impregnado del pensamiento, las costumbres, los gestos, las formas y las técnicas germinados en el territorio coreano, es un vehículo en el que se manifiestan con fuerza una sensibilidad y un espíritu sobrios que tienen por virtudes la contención, la modestia y la paciencia, y una conciencia estética coreana asentada en la consideración y el respeto. Los artistas que hacen del hanbok un motivo central de su obra no han pasado por alto este punto. No se limitan a la belleza plástica de la prenda —sus líneas, sus formas tradicionales—, sino que iluminan desde ángulos diversos el pensamiento, los usos y los comportamientos transmitidos del pasado al presente, y tratan de ampliar las posibilidades de interpretación de esos significantes que llamamos «coreanidad».

El primer artista que toma la indumentaria propia de Corea como material principal de su obra es Jung Myung Jo, que viene describiendo con minuciosidad la «espalda» de mujeres ataviadas con todo rigor con los trajes suntuosos y variados de la dinastía Joseon. Desde el año 2000 presenta a la mujer vestida con hanbok como emblema de la belleza, con un método de trabajo coherente. Las prendas que pinta son las de las damas de Joseon: reinas con vestidos de motivos de fénix, cortesanas con zapatos rosados, sedas elegantes y moños postizos gache adornados con joyas de esmalte cloisonné. El artista no viste a sus modelos con ropa adaptada a lo moderno, sino con indumentaria fiel a la documentación histórica; las fotografía, amplía la imagen y la traslada a lienzos de tamaño natural con la mayor fidelidad posible, reproduciendo de manera realista los motivos de la vestimenta de la corte de Joseon, las formas y colores de los trajes nupciales e incluso sus texturas. La intención es no dañar ni un milímetro la belleza propia del original, antes que insertar en el traje tradicional su propia interpretación o alteración.

Según el artista, la razón de reproducir el pasado con esa obsesión es que se trata de «la expresión de una interioridad que quiere recrear la belleza olvidada de otro tiempo en una sociedad contemporánea gobernada por la civilización de las máquinas y, a la vez, mirar hacia nosotros mismos». Con ser importante este componente realista, lo que hace singular la obra de Jung Myung Jo es sobre todo que solo pinta a las mujeres de espaldas y que el fondo negro está planteado como un espacio mental donde, en contraste con la suntuosidad de los trajes, habitan la inquietud interior y el deseo de mostrarse con fuerza. Como en sus telas siempre aparecen retratos sin rostro, vueltos de espaldas, solo cabe conjeturar cuál era la condición social de esas mujeres a partir de la ropa y los adornos. Es la voluntad del artista de hacernos retener únicamente el hecho de que son mujeres, y también un dispositivo para concentrar la atención en la belleza formal de los colores y los motivos y llevar al máximo el anonimato y la interioridad de las cosas.

Hay también una artista que, de modo parecido a Jung Myung Jo, recurre a la imagen fotográfica para reproducir el hanbok con realismo, pero que se acerca a la prenda entendiéndola como una vida entera: desde que una persona nace y se casa hasta que tiene hijos y deja este mundo. Es Lee Jin, que toma como objeto principal las prendas de Damyeon Lee Hye Soon —quien confecciona hanboks a partir de telas envejecidas durante décadas, con una investigación y un estudio incesantes— y proyecta sobre el lienzo su propia mirada. La artista no se queda en el pasado: indaga de qué manera se usa el hanbok tradicional al llegar a la época actual y, con ello, pretende en último término asomarse al trasfondo social que imponía a las mujeres de nuestra historia una larga paciencia, una larga espera y una sobriedad obligada. Interpreta, en suma, el hanbok como un mecanismo social que representa simbólicamente la dura vida de las mujeres de antaño.

Hay asimismo artistas que adoptan la forma de la pintura de costumbres pero introducen en ella la cultura material contemporánea y su propia vida diaria con hanbok, desplegándola en forma de diario. Shin Sun Mi, que sigue con fidelidad las técnicas tradicionales del color y a la vez construye escenas rebosantes de humor con una estructura de relato enmarcado, se presenta a sí misma primorosamente vestida con hanbok y transmite con familiaridad lo menudo de la vida y su mundo interior. Fascinada por el hanbok desde niña e interesada por los colores y los motivos que anidan en esa indumentaria, no solo toma prestada la vestimenta femenina de Joseon fiel a la documentación histórica, sino que a través de ella busca llevar al lienzo el vestido femenino de los tres países de Asia Oriental e incluso la cultura de los aposentos femeninos. Lo notable en su obra es esa composición de relato dentro del relato. Por ejemplo, la escena general se plantea como un instante: una mujer tumbada boca abajo intentando atrapar a un gato y, sobre ella, la almohada que el gato ha dejado caer como en réplica; pero es la portada del cómic que la mujer estaba leyendo y ha tirado al suelo la que ordena las situaciones desordenadas que precedieron. Así, la artista trae al contexto del presente a esa mujer del pasado (ella misma) que vive primorosamente vestida con hanbok y toma como motivo central la inversión por la cual el decoro se derrumba —pese a esa apariencia sobria y noble— a causa de un enemigo inesperado: unos pequeños alter ego que dejan al descubierto los deseos interiores. De ahí brota la comicidad.

Kim Hyun Jung es también una artista que se hace protagonista convertida en una mujer vestida con hanbok y transmite con gestos provocadores la sensibilidad que percibe en lo cotidiano. En el conjunto de obras que ha agrupado bajo la categoría del naesoong (noción coreana que designa el gesto de ocultar los verdaderos sentimientos tras las apariencias), el hanbok elegido consiste en jeogoris luminosos y de colores vivísimos, zapatillas florales transformadas en tacones altos y faldas que dejan traslucir la piel. La mujer que viste esas prendas escucha música con los auriculares mientras hace ejercicio en las instalaciones deportivas de un parque de barrio y se consuela diciéndose «lo has hecho bien, también hoy»; juega al billar americano gritando «la pose es la vida, la pose es la muerte»; hace patinaje en línea o monta en tabla fanfarroneando con un «soy la que mejor lo hace»; y así la artista pinta sin filtro la interioridad enrevesada de quien vive su veintena: el desconcierto y el miedo ante la vida y, entre ellos, los momentos de júbilo y de gozo. Junto a esto, con prendas y conductas rompedoras destruye sin piedad las ideas recibidas sobre el hanbok —que obligan a la sobriedad y a la cautela en los actos y en la actitud, y que se han ido fijando y aceptando inconscientemente como naturales al llegar a la época moderna—, y busca así revelar de forma metafórica el entorno social que ha regulado tácitamente a las mujeres.

Obras como estas hacen que la gramática del hanbok, reducida en Occidente a línea y color, se interprete desde una estética propia basada en la espiritualidad de la tradición, y que la miremos como un espejo en el que asomarse a la sociedad y la cultura que ha atravesado la tierra coreana.

Autor — Seo Jung Ihm (columnista de arte)