Maeil Business TV | Iyagireul Damda, épisode 9

« Iyagireul Damda », l’émission qui recueille des récits de vie dans les domaines de la politique, de la culture, du monde des affaires et du sport, reçoit aujourd’hui une personnalité en vue de la scène artistique et culturelle. Elle paraît réservée mais se révèle audacieuse, semble hautaine mais surprend par un charme provocateur et contrasté. Nous recevons Kim Hyun Jung, peintre coréenne (hanguk-hwa) de grand talent surnommée « l’idole du hanguk-hwa » pour avoir contribué à populariser cet art, et dont les œuvres figurent dans neuf manuels scolaires d’arts plastiques du primaire au lycée.

Animateur : Je crois que c’est la première fois qu’une tenue va aussi bien à quelqu’un. Le hanbok vous va vraiment à merveille.

Kim Hyun Jung : Oh, c’est un peu comme un uniforme scolaire pour moi, je le porte tout le temps, donc je m’y sens très à l’aise.

Animateur : Vous peignez toujours des femmes en hanbok. Peut-on considérer qu’il s’agit de votre propre portrait ?

Kim Hyun Jung : Oui, exactement. Ce sont mes autoportraits. J’ai commencé cette série à l’époque où j’étais étudiante ; il était alors difficile de trouver des modèles, donc je me suis prise moi-même comme modèle gratuit. C’était pratique pour m’observer, et comme j’étais le sujet que je voyais le plus souvent, j’ai commencé à peindre ainsi tout naturellement, et cela s’est poursuivi jusqu’à aujourd’hui.

Animateur : Le hanbok en lui-même ne relève pas vraiment de la technique du hanguk-hwa. Il doit y avoir une raison particulière pour laquelle vous avez choisi le hanbok comme sujet.

Kim Hyun Jung : Cette série de tableaux s’appelle « Naesoong Iyagi », et j’ai choisi le hanbok comme médium pour exprimer justement ce « Naesoong » — l’art de feindre la pudeur et la retenue. En réalité, j’ai commencé à peindre parce que j’avais le cœur meurtri. À l’époque, je portais une blessure intérieure née du fait d’afficher une apparence distinguée tout en ayant des comportements qui ne l’étaient pas, et pour moi, le vêtement le plus distingué qui soit était le hanbok. Porter un hanbok pousse naturellement à se tenir de façon réservée, et l’idée de départ était justement de saisir dans mes tableaux les comportements qui s’écartent de cette réserve.

J’ai réalisé quatre grandes séries au total, et la plus connue est la toute première, la série « Naesoong Iyagi ». J’y ai saisi des instants de « Naesoong » tels qu’on les vit au quotidien. L’œuvre « Toi qui me fais bouger », par exemple, je l’ai peinte parce que j’adore vraiment me faire livrer à manger. Lorsque j’ai eu une exposition personnelle au Metropolitan Museum of Art de New York, une visiteuse étrangère m’a dit : « C’est génial, comment avez-vous pu imaginer la livraison plutôt que la conduite ? » Les États-Unis étant un si grand pays, la culture de la livraison y est peu familière. J’ai hésité un instant entre rester une « peintre géniale » ou dire la vérité, et j’ai finalement choisi l’honnêteté : je lui ai expliqué que la culture de la livraison est si développée en Corée qu’il existe même l’expression « Baedal-ui-Minjok », un jeu de mots signifiant à la fois « la nation de la livraison » et l’ancien nom du peuple coréen. C’est l’anecdote amusante derrière ce tableau.

Dans le prolongement de la série « Naesoong », j’ai aussi commencé, vers la fin de ma vingtaine, à ressentir une pression autour du mariage, les aînés me demandant sans cesse : « Quand te maries-tu ? » J’ai donc intitulé cette série « Une boîte d’œufs, l’âge de se marier » — en coréen, une boîte de trente œufs désigne familièrement l’âge de trente ans. Je me suis inspirée à l’origine du tableau « Napoléon franchissant les Alpes », que j’ai détourné en y insérant une scène de mariage traditionnel dans le style de Shin Yun-bok. J’ai transformé la scène de guerre en scène nuptiale, et j’ai aussi représenté les chaussures de façon marquante, pour signifier qu’on ne renonce pas à la beauté même en partant au combat. C’est une façon de montrer combien les femmes d’aujourd’hui prennent soin d’elles-mêmes.

Animateur : Les femmes en hanbok sont représentées dans un style transparent, presque diaphane. Qu’est-ce que cela signifie ?

Kim Hyun Jung : Il existe énormément de peintres qui représentent le hanbok, mais la particularité des femmes dans mes tableaux, c’est qu’on peut voir à travers elles. Lorsque je peins, je procède comme si je jouais à la poupée : je dessine d’abord la silhouette du personnage, puis j’y ajoute le hanbok, et pour le jeogori et la jupe (chima), j’utilise du papier hanji. Je teins moi-même ce hanji et j’y fais tomber des gouttes d’eau pour créer des trous — une technique que j’appelle « Suji ». J’ai trouvé que le hanji, avec sa texture légèrement rêche et cet effet transparent qui laisse voir à travers, correspondait parfaitement à l’esprit du hanbok, et c’est pourquoi j’utilise cette méthode.

Animateur : Je suis aussi curieux de connaître votre parcours à l’école des beaux-arts.

Kim Hyun Jung : En réalité, cette série « Naesoong » m’avait d’abord valu un échec à l’exposition de fin d’études. À l’époque, la K-pop n’existait pas encore sous cette forme, et j’entendais des remarques du genre « qui peint encore le hanbok de façon aussi démodée de nos jours ? » — on m’a même conseillé d’arrêter de peindre. Si j’ai pu persévérer malgré tout, c’est en pensant à ce dicton : « Pour faire une chose que l’on aime, il faut accepter neuf choses que l’on n’aime pas. » Comme peindre me rendait heureuse, je me suis dit que je pourrais continuer même en travaillant à côté pour gagner ma vie.

Au début, certains de mes aînés à l’université ne me voyaient pas d’un très bon œil. L’un d’eux m’a raconté m’avoir fait venir en plein cours parce qu’une étudiante avait cité mon nom comme celui d’une artiste qu’elle admirait, et en avoir profité pour me faire remarquer que je peignais mes personnages trop rondelets. Je lui ai répondu en riant, sur le moment : « C’est bien moi, cette peintre, et si je l’ai peinte ainsi, c’est parce que c’est un autoportrait. » Aujourd’hui, à l’inverse, certaines de ces personnes encouragent même les plus jeunes à suivre une voie semblable à la mienne.

Beaucoup de gens pensent que la peinture coréenne (hanguk-hwa) n’a pas de couleurs, mais en réalité, on peut y employer tous les pigments naturels. La « peinture d’Asie de l’Est » désigne la peinture des trois pays que sont la Corée, la Chine et le Japon : la peinture chinoise privilégie traditionnellement l’encre, la peinture japonaise mise beaucoup sur la couleur, tandis que la peinture coréenne, géographiquement située entre les deux, utilise la technique du « sumukdamchae », c’est-à-dire un usage équilibré de l’encre et de la couleur. Pour obtenir une teinte intense, il faut appliquer une couleur diluée dix à vingt fois, ce qui prend énormément de temps. Pour un tableau d’environ 100 ho, un travail assidu et minutieux demande au moins un mois.

Beaucoup de gens se demandent aussi combien coûtent mes œuvres. En principe, c’est l’artiste qui fixe le prix, mais comme il faut s’aligner sur le prix du marché, il existe un certain montant de référence. Une artiste qui vient tout juste d’obtenir son diplôme dans une université de quatre ans à Séoul reçoit généralement, pour une œuvre de 100 ho, entre 3 et 5 millions de wons. Mais comme la commission de vente avoisine 50 %, la somme réellement perçue est bien plus faible, et si l’on tient compte du cadre, du transport et des matériaux, cela revient souvent à moins que le salaire minimum. J’aimerais néanmoins que l’on considère cela comme l’achat du temps que la créatrice ou le créateur a investi.

En réalité, j’ai aussi connu des périodes difficiles. À une époque où j’étais très blessée dans mes relations avec les autres, la peinture était ma seule amie. Rien que le fait de peindre me permettait de m’immerger complètement, et cela me faisait du bien. Comme je ne pouvais pas peindre directement les personnes de mon âge qui m’avaient fait du mal, j’ai commencé à me peindre moi-même. Un soir, en travaillant tard, j’ai réalisé que le personnage du tableau, mon reflet dans le miroir et mon image sur une photo se ressemblaient beaucoup. En comprenant que si je détestais cette personne, c’était en réalité parce que je portais moi aussi ces mêmes travers, j’ai cessé de la détester. Cette prise de conscience a aussi beaucoup amélioré ma dépression. C’est pourquoi j’aime peindre avec légèreté et bonne humeur. Puisque ce travail m’a guérie, mon plus grand bonheur est que les personnes qui regardent mes tableaux se disent : « C’est tellement effronté, tellement amusant ! »

Les réseaux sociaux sont aussi une autre source de force. Quand j’ai envie d’abandonner, un simple commentaire comme « Voir votre tableau m’a fait du bien » ou « Courage ! » me redonne beaucoup d’énergie. Cela fait maintenant douze ans que j’ai commencé ce travail, en 2012. Au début, certains de mes aînés me voyaient d’un mauvais œil, mais aujourd’hui, de plus en plus de personnes m’encouragent au contraire. Il semble que les mentalités évoluent avec le temps et que mon travail soit de mieux en mieux accepté.

Dans les tableaux que je peins en ce moment, on voit aussi apparaître les BTS : je pars de photos existantes et j’habille les personnages en hanbok. Quand je publie ces œuvres au moment de la sortie d’un nouveau titre, les fans en sont particulièrement ravis.

Mon rêve est de voir naître une société où les arts plastiques seraient, comme la musique, appréciés et vécus par tous au quotidien. Quand on est stressé, on dit facilement « allons au karaoké », mais dire « allons peindre » sonne encore de façon inhabituelle. C’est ce genre de culture que j’aimerais contribuer à créer.