Maeil Business TV | Iyagireul Damda, Folge 9

„Iyagireul Damda“ – die Sendung, in der Lebensgeschichten aus Politik, Kultur, Wirtschaft und Sport erzählt werden – widmet sich heute einer angesagten Persönlichkeit aus Kunst und Kultur. Sie wirkt zurückhaltend, ist aber forsch; sie scheint hochmütig, überrascht jedoch mit einer provokanten Gegensätzlichkeit. Zu Gast ist die talentierte koreanische Malerin Kim Hyun Jung, das „Idol der Hanguk-hwa-Malerei“, die maßgeblich zur Popularisierung der koreanischen Malerei beigetragen hat und deren Werke in neun verschiedenen Kunstlehrbüchern für Grund-, Mittel- und Oberschulen abgedruckt sind.

Moderator: Ich glaube, noch nie hat jemandem ein Kostüm so gut gestanden wie Ihnen heute. Der Hanbok steht Ihnen wirklich ausgezeichnet.

Kim Hyun Jung: Ach, er ist für mich fast wie eine Schuluniform, ich trage ihn ständig, deshalb fühle ich mich darin sehr wohl.

Moderator: Sie malen immer Frauen im Hanbok – darf man das so verstehen, dass Sie sich selbst darstellen?

Kim Hyun Jung: Ja, genau. Es sind meine Selbstporträts. Diese Serie habe ich schon als Studentin begonnen – damals war es schwierig, Modelle zu finden, also habe ich mich selbst als kostenloses Modell genommen. Ich konnte mich gut beobachten, und da ich das Motiv war, das ich am häufigsten vor Augen hatte, habe ich zwanglos angefangen zu malen – und das setzt sich bis heute fort.

Moderator: Der Hanbok selbst ist ja kein Element der Hanguk-hwa-Maltechnik. Es muss doch einen bestimmten Grund geben, warum Sie den Hanbok als Motiv gewählt haben.

Kim Hyun Jung: Diese Bilderserie nenne ich „Naesoong-Iyagi“, und ich habe den Hanbok als Medium gewählt, um genau dieses „Naesoong“ – das Vortäuschen von Sittsamkeit – auszudrücken. Eigentlich habe ich mit dem Malen begonnen, weil es mir innerlich wehtat. Damals trug ich eine innere Wunde davon, dass ich mich vornehm gab, mich aber nicht immer vornehm verhielt, und der Hanbok war für mich das vornehmste Kleidungsstück überhaupt. Trägt man einen Hanbok, wirkt man automatisch zurückhaltend und sittsam – der Ausgangspunkt war der Gedanke, gerade die Verhaltensweisen, die dem widersprechen, einmal in Bildern festzuhalten.

Ich habe insgesamt vier große Serien gemacht, und die bekannteste davon ist die zuerst entstandene Serie „Naesoong-Iyagi“. Darin habe ich Momente des „Naesoong“ eingefangen, wie sie im Alltag vorkommen. Das Werk „Du, der mich bewegt“ zum Beispiel habe ich gemalt, weil ich Essenslieferungen wirklich liebe. Als ich im Metropolitan Museum of Art in New York eine Einzelausstellung hatte, sagte eine ausländische Besucherin zu mir: „Das ist genial – wie kommen Sie darauf, nicht ans Autofahren, sondern an die Lieferung [Delivery] zu denken?“ In den USA, einem so großen Land, ist Lieferkultur eben ungewohnt. Ich habe kurz überlegt, ob ich als „geniale Malerin“ dastehen oder ehrlich sein sollte, und mich dann für die Ehrlichkeit entschieden: Ich erklärte, dass Lieferdienste in Korea so weit entwickelt sind, dass es sogar den Ausdruck „Baedal-ui-Minjok“ gibt – ein Wortspiel, das zugleich „Volk der Lieferungen“ und den alten Namen des koreanischen Volkes bedeutet. Das ist die amüsante Geschichte hinter diesem Bild.

Als Fortsetzung der „Naesoong“-Serie begann ich außerdem, gegen Ende meiner Zwanziger verstärkt Heiratsdruck zu spüren, weil ältere Verwandte mich ständig fragten: „Wann heiratest du endlich?“ Deshalb nannte ich diese Serie „Ein Karton Eier – im heiratsfähigen Alter“, denn ein Eierkarton mit dreißig Eiern steht im Koreanischen sprichwörtlich für das Alter von dreißig Jahren. Als Vorlage diente ursprünglich das Gemälde „Napoleon überquert die Alpen“, das ich parodierte, indem ich eine traditionelle Hochzeitsszene nach Shin Yun-bok einfügte. Ich habe die Kriegsszene in eine Hochzeitsszene umgewandelt und auch die Schuhe eindrucksvoll dargestellt – als Zeichen dafür, dass man selbst auf dem Schlachtfeld nicht auf Schönheit verzichten will. Damit wollte ich zeigen, wie gut Frauen heutzutage auf sich selbst achten.

Moderator: Die Frauen in den Hanboks sind in einem durchsichtigen, transparenten Stil dargestellt – welche Bedeutung hat das?

Kim Hyun Jung: Es gibt sehr viele Malerinnen und Maler, die den Hanbok malen, aber die Besonderheit der Frauen in meinen Bildern ist, dass man ins Innere hindurchblicken kann. Beim Malen gehe ich wie beim Puppenspiel vor: Zuerst male ich die Silhouette der Figur, dann trage ich den Hanbok darüber auf, und für die Jeogori- und Rockteile (Chima) verwende ich Hanji-Papier. Dieses Hanji färbe ich selbst und lasse Wassertropfen darauf fallen, um Löcher entstehen zu lassen – diese Technik nenne ich „Suji“. Ich fand, dass Hanji, das gleichzeitig eine leicht raue Textur und diesen durchscheinenden, transparenten Effekt erzeugt, sehr gut zum Wesen des Hanbok passt, und deshalb verwende ich diese Methode.

Moderator: Ich bin auch neugierig auf Ihre Zeit an der Kunsthochschule.

Kim Hyun Jung: Tatsächlich bin ich mit dieser „Naesoong“-Serie zunächst durch die Abschlussausstellung gefallen. Damals gab es K-Pop in diesem Ausmaß noch nicht, und ich hörte Dinge wie „Wer malt heutzutage noch so altmodisch den Hanbok?“ – man riet mir sogar, mit dem Malen aufzuhören. Trotzdem konnte ich weitermachen, denn ich dachte an den Spruch „Wer eine Sache liebt, muss neun andere Dinge in Kauf nehmen, die einem nicht gefallen“ – da mich das Malen glücklich machte, dachte ich, ich könnte damit weitermachen, selbst wenn ich nebenbei jobben müsste.

Anfangs gab es auch ältere Kommilitoninnen und Kommilitonen, die mich nicht besonders wohlwollend sahen. Eine dieser Personen erzählte mir, sie habe mich während einer Vorlesung zu sich gerufen, weil eine Studentin mich als ihre bewunderte Künstlerin genannt hatte, und habe dabei auch kritisiert, dass ich meine Figuren zu rundlich male. Ich habe ihr damals lachend geantwortet: „Ich bin genau diese Malerin, und weil es ein Selbstporträt ist, habe ich es so gemalt.“ Heute gibt es dagegen sogar Menschen, die jüngere Kolleginnen und Kollegen ermutigen, einen ähnlichen Weg wie ich einzuschlagen.

Viele Menschen glauben, die koreanische Malerei (Hanguk-hwa) kenne keine Farben, aber tatsächlich lassen sich alle natürlichen Farbpigmente verwenden. „Ostasiatische Malerei“ bezeichnet die Malerei der drei Länder Korea, China und Japan: Während die chinesische Malerei traditionell viel Tusche verwendet und die japanische Malerei stark auf Farbigkeit setzt, liegt die koreanische Malerei geografisch dazwischen und nutzt die Technik „Sumukdamchae“ – also eine ausgewogene Kombination aus Tusche und Farbe. Um einen kräftigen Farbton zu erzielen, muss man die verdünnte Farbe zehn- bis zwanzigmal auftragen, was sehr viel Zeit kostet. Bei einem Bild in der Größe von etwa 100 Ho dauert die sorgfältige, detailreiche Arbeit mindestens einen Monat.

Viele Menschen interessieren sich auch für die Preise meiner Werke. Grundsätzlich legt die Künstlerin selbst den Preis fest, aber da man sich am Marktpreis orientieren muss, gibt es eine gewisse Richtgröße. Eine Künstlerin, die gerade erst an einer vierjährigen Universität in Seoul ihren Abschluss gemacht hat, erhält für ein Werk in der Größe von 100 Ho üblicherweise etwa 3 bis 5 Millionen Won. Da die Verkaufsprovision jedoch bei rund 50 Prozent liegt, ist der tatsächlich erhaltene Betrag deutlich geringer, und rechnet man Rahmen, Transport und Materialkosten mit ein, liegt das Ergebnis in vielen Fällen sogar unter dem Mindestlohn. Ich würde mir aber wünschen, dass man das als den Kauf der Zeit betrachtet, die die Künstlerin oder der Künstler investiert hat.

Tatsächlich gab es auch schwierige Zeiten. In einer Phase, in der ich in zwischenmenschlichen Beziehungen sehr verletzt wurde, war das Malen mein einziger Freund. Nur in den Momenten, in denen ich malte, konnte ich völlig darin aufgehen, und das tat mir gut. Da ich die Gleichaltrigen, die mich verletzt hatten, nicht direkt malen konnte, begann ich, mich selbst zu malen. Eines Nachts, während der Arbeit, bemerkte ich plötzlich, dass die Figur im Bild, mein Spiegelbild und mein Foto sich sehr ähnelten. Als mir klar wurde, dass ich diese Person eigentlich deshalb gehasst hatte, weil auch ich selbst solche Seiten in mir trug, konnte ich sie danach nicht mehr hassen. Durch diese Erfahrung besserte sich auch meine Depression deutlich. Deshalb möchte ich beim Malen fröhlich und unbeschwert bleiben. Da mich dieses Malen geheilt hat, ist es mein größtes Glück, wenn die Betrachterinnen und Betrachter dabei denken: „Wie frech, wie lustig!“

Eine weitere Kraftquelle sind die sozialen Netzwerke. Wenn ich einmal aufgeben möchte, geben mir schon einzelne Kommentare wie „Ihr Bild hat mich geheilt“ oder „Viel Kraft!“ großen Halt. Seit ich 2012 mit dieser Arbeit begonnen habe, sind es inzwischen zwölf Jahre. Anfangs gab es Seniorkolleginnen und -kollegen, die mich kritisch sahen, doch heute gibt es viel mehr Menschen, die mich unterstützen. Mit dem Wandel der Zeit scheint meine Kunst zunehmend akzeptiert zu werden.

In den Bildern, die ich gerade male, taucht auch BTS auf – dabei nehme ich vorhandene Fotos und „bekleide“ die Personen darauf mit einem Hanbok. Wenn ich diese Werke passend zum Erscheinungstermin neuer Songs veröffentliche, freuen sich die Fans besonders.

Mein Traum ist eine Gesellschaft, in der die bildende Kunst genau wie die Musik ganz selbstverständlich im Alltag von allen genossen und erlebt wird. Wenn man Stress hat, sagt man leicht „Lass uns zum Karaoke gehen“, aber „Lass uns malen gehen“ klingt noch ungewohnt. Genau eine solche Kultur möchte ich mit aufbauen.